Entrevista a James Jagger: de tal palo…

Charla exclusiva con el hijo de Mick y protagonista de Vinyl, la nueva serie de HBO.

“¿De Argentina? Justo intercambiamos mails con mi viejo y me contó que la está pasando genial allá”. Mientras Mick Jagger paseaba por Palermo y revolucionaba el país, su hijo James está del otro lado del mundo y del teléfono, trabajando para Vinyl, la nueva serie que lo tiene como una de sus estrellas.

La apuesta de HBO se interna en el mundo de la música de los años 70 desde la historia de Richie Finestra (un genial Bobby Cannavale), presidente de una discográfica a la que intenta salvar de la ruina mientras debe lidiar con sus demonios personales, los excesos del rock y un crimen que pondrá en riesgo todo. La serie fue creada y producida por Mick Jagger, Terence Winter y Martin Scorsese, quien dirigió un primer episodio doble que, más que piloto, resulta una desaforada película sobre la locura, la codicia y la corrupción del musicbiz.

“Vinyl trata sobre la maquinaria de la industria musical, y se ubica en una época muy interesante en materia cultural en Nueva York, que marcó un cambio de paradigma — explica James—. Reinaba el sentimiento de que estabas empezando algo nuevo con todos esos artistas y estilos que salían del underground. No conozco otro tiempo en el que hayan pasado, en términos de música popular, tantas cosas, tantos géneros, todo en un mismo lugar”. El actor interpreta a Kip Stevens, el reventado líder de los proto-punks Nasty Bits, banda que podría significar una salvación para el alicaído sello de Finestra, quien está en la búsqueda casi existencial de un nuevo sonido (y una nueva vida).

¿Recibió James algún consejo de papá, estrella indiscutida de aquellos inspirados y agitados años? “Sí, me ayudó a hacerme una idea de cómo era Nueva York en 1973, lo interesante que era y por qué. A él le encanta la historia y contribuyó con muchas cosas para mi personaje”, respondió. El parecido con su majestad satánica sorprende y más de uno va a creer haber visto a un joven Mick en algunas escenas, como si se hubiera escapado ayer de sus películas de los 70, Performance o Ned Kelly.

Sin embargo, el apellido Jagger tiene un peso y James no niega que su inclusión en el elenco trajo comentarios y miradas maliciosas al ser su padre el productor de la serie. “Seguro que despertó algunas suspicacias, pero yo audicioné como cualquier otro —se defiende—.  Me grabé en Londres haciendo algunas escenas del programa y lo mandé. Después, tuve que ir a Nueva York a reunirme con la directora de casting, para hacer una prueba ahí. Un tiempo después me llamaron para avisarme que estaba dentro. En última instancia, creo que si hubiera sido malo no habría conseguido el papel”.

James tiene pasta de rockstar. Lidera una banda, Turbogeist, aunque parece estar en un parate indefinido (“ya no estamos tocando, así que veremos… Yo escribiendo algunas canciones por mi cuenta con un amigo”, dice), y ya interpretó a un músico en la película sobre Ian Dury Sex & Drugs & Rock & Roll (2010). “Siempre me gustó el cine. Desde chico que quise estar metido en algún aspecto de eso. Pero la actuación no me pareció una opción hasta que cumplí los 16 o 17”, revela.

Vinyl representa su debut en la televisión y un salto a los primeros planos de la mano de quien es, ni más ni menos, uno de los directores más importantes de la historia. “Martin Scorsese está lleno de energía. Es contagioso, tiene tanto entusiasmo por lo que hace. No podés evitar quedar impresionado con que un hombre de su edad tenga tanta pasión —cuenta, con admiración y mucha incredulidad por lo que está viviendo—.  Todo esto es muy surrealista: es lo primero que se me viene a la cabeza para decir. A veces, me tuve que pellizcar, porque no lo puedo creer”.

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Dirty Work: a 30 años del peor momento de los Rolling Stones

Drogas, traición, peleas y muerte rodearon el disco más difícil de sus majestades satánicas. La historia del álbum que casi termina con la banda.

Durante más de cinco décadas, los Rolling Stones atravesaron innumerables crisis que pusieron en vilo su existencia, aunque pocas tan conflictivas como la grabación de Dirty Work. Lanzado en marzo de 1986, quedó al fondo de la discografía del (por entonces) quinteto como un testimonio de su peor etapa artística. Pero también puede rescatarse como una historia de supervivencia.

Los problemas ya venían en el estudio desde comienzos de los 80. Richards, harto del ego y el afán controlador de Jagger, lo llamaba despectivamente «Brenda» o «Madam» para poder insultarlo sin que se diera cuenta. La grieta pronto se trasladó a los conciertos. Se dice que, en la gira de Tattoo You, estaba estipulado por contrato que Jagger dejara el escenario durante las canciones que cantaba Richards. Y, en alguna oportunidad, el guitarrista llegó a secuestrar una grúa que elevaba al cantante durante la interpretación de «You Can’t Allways Get Wat You Want» para despacharse con un solo de veinte minutos.

Para 1983, luego de la grabación de Undercover, la relación entre los Stones pendía entre jirones de celos, adicciones y hastío (inter)personal. «Estábamos aburridos de tocar entre nosotros, llegamos a un punto en que nos cansamos de todo —recordaba Jagger en un entrevista de 1995 para Rolling Stone—. Bill [Wyman] no era muy entusiasta. Es un tipo que nunca quiere hacer mucho… es un poco vago y aburrido. Y tenías a Charlie [Watts] exagerando en todo».

En su autobiografía Vida (2010), Richards detalla cómo las tensiones en el grupo llegaron a los puños una noche de 1984 en un hotel de Holanda, cuando Jagger, borracho, llamó a las cinco de la mañana a la habitación de Watts y osó preguntarle «¿dónde está mi baterista?». No tuvo respuesta y colgó, pero a los veinte minutos, Watts apareció en el cuarto del cantante y le dijo «nunca más vuelvas a llamarme “tu baterista”» antes de embocarle un terrible gancho de derecha. «Mick cayó de espaldas encima de una bandeja de salmón ahumado que había en la mesa… y en el último instante lo agarré antes de que cayera a uno de los canales de Ámsterdam. Tardé veinticuatro horas en calmar a Charlie… pero al cabo de doce seguía diciendo: “¡A la mierda, voy a bajar a darle otra!”. Y eso que cuesta mucho hacerlo calentar», reveló el guitarrista.

El clima empeoró en 1985 cuando el frontman decidió concentrar las energías en su debut solista, She’s the Boss. Richards se sintió defraudado al ver que su «hermano de diferente padre» dejaba la banda de lado ni bien acababan de firmar un multimillonario acuerdo con CBS Records. «El timing fue muy raro, sacar un disco obviamente comercial justo antes de que empezáramos a trabajar en un nuevo disco de los Stones —contó el violero a Spin en 1986—. Si hubiera hecho sus canciones favoritas de folk irlandés con una arpista, tenido a Liberace acompañándolo en covers de Frank Sinatra o algo que no pudiera hacer con los Stones, hubiera estado bien. Para mí, un álbum de Mick Jagger debería haber sido un evento gigantísimo y no cualquier otro disco. Le dije que era tontería y no un trabajo inspirado».

«Cuando firmamos el contrato con CBS, tenía estipulado hacer un disco en solitario. Keith sabía de eso, así que no fue algo que salió de la nada. No quiero justificar lo que pasó. Fue una mala época. Todos nos estábamos llevando muy mal», se defendió Jagger años más tarde. Pero la herida estaba abierta. El disco salió en febrero de aquel año, justo cuando la banda comenzó a componer en Francia. Richards despreciaba She’s the Boss. «Un título que lo dice todo. Nunca he llegado a escucharlo entero. ¿Quién lo hizo? Es como Mi lucha. Todo el mundo tenía una copia, pero nadie lo escuchaba», escribió décadas más tarde, aún con saña.

La mayor parte del «trabajo sucio» recayó en Richards. Según el guitarrista, el clima en los estudios Pathé Marconi de París «estaba enrarecido». Habían tenido que retrasar las sesiones varias veces por los compromisos de Jagger, quien «apenas llevaba canciones con las que trabajar porque las había metido todas en su disco» y «ni siquiera aparecía en el estudio». «El espantoso ambiente que se respiraba estaba afectando a todo el mundo. Bill Wyman prácticamente dejó de acudir y Charlie se volvió a su casa», confiesa el músico en su libro.

Alguna vez pensaron en titularlo 19 Stitches, luego de que un técnico drogado se cayera sobre una mesa de vidrio y quedara con múltiples heridas. Ron Wood, que aún se recuperaba de su alcoholismo, compuso temas y se hizo cargo de muchas de las partes de bajo, al tiempo que Watts hacía lo que podía. Su adicción al speed y la heroína apenas lo dejaba tocar, y varias canciones quedaron en los palillos de Steve Jordan y Anton Fig. Mientras tanto, Richards echaba espuma por la pluma con letras directas hacia su ausente amigo. «Te voy a machacar hasta que seas un montón de moretones / porque eso es lo que estás buscando… / Tengo que pelearme / no lo puedo evitar», lo amenaza «Fight». Y el bromance se pudre en «Had It With You», donde destila más odio que amor:

«Siempre tratás de molestarme.

Siempre parecés acecharme.

Emitiendo órdenes, gritando instrucciones.

Y me harté, me harté, me harté, me harté de vos.

Y me harté, me harté, me harté, me harté de todo».

«Creo que nunca había escrito ninguna canción, aparte de “All About You”, cuyo protagonista fuera tan claramente Mick», confesó luego el violero, como si faltara confirmarlo.

El 13 de julio de 1985, cuando casi promediaba la grabación de Dirty Work, la banda se presentó en el festival Live Aid y exhibió en vivo de lo que pasaba en el estudio: Richards y Woods, por un lado, acompañaron el set de Bob Dylan, mientras que Mick Jagger hizo su propio show, donde aprovechó para difundir su flamante single «Just Another Night» e interpretó el clásico «It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)» (en un recordado dueto con Tina Turner).

Los Stones se resquebrajaban y, si faltaba un golpe para partirlos, llegó el 12 de diciembre con la muerte de Ian Stewart de un ataque al corazón. El pianista y road manager, histórico «sexto Stone» a quien el productor Andrew Loog Oldham había expulsado del grupo en los 60 por feo, era una autoridad y referencia para el resto de los miembros, una suerte de conciencia blusera en la forma de un paciente hermano mayor. «Todavía trabajo para él. Entiendo que los Rolling Stones le pertenecen», afirmó Richards en Vida, quien aseveró que la muerte lo afectó tanto como la de su hijo.

Dirty Work se editó poco después, en marzo de 1986, dedicado en su honor y con una grabación del pianista incluida como tema oculto. El disco fue precedido en febrero por «Harlem Shuffle», un cover de Bob & Earl de 1963 que Jagger grabó en apenas dos tomas. Por primera vez en veinte años, los Stones no lanzaban como primer sencillo un original de Jagger-Richards. Era un anticipo de la sequía del álbum, donde apenas tres de los once tracks llevaban la rúbrica del célebre tándem. El segundo single fue el poco memorable «One Hit (To the Body)», una premonición del rock de fórmula genérica que la banda editaría en los años venideros (¿alguien puede notar la diferencia entre este y temas como «Rock and a Hard Place», «You Got Me Rocking» o «Rough Justice»?)

«Dirty Work fue el período más complicado de todo nuestro viaje. Te das cuenta porque tiene cuatro canciones mías, lo cual es un claro signo de que el motor compositor de Keith y Mick no estaba funcionando bien», se sinceró Ron Wood en una entrevista de 2003.

Ni la participación de Jimmy Page, Tom Waits y Bobby Womack, ni la producción del ascendente Steve Lillywhite (Peter Gabriel, U2, Simple Minds) ayudaron a cubrir la falta de inspiración. La portada terminó de rematar la obra más débil y fechada de los Stones con una foto que los hacía lucir como una banda de narcotraficantes fugados de División Miami. Aun así, Dirty Work fue un éxito comercial: los Stones sonaban (y se veían) en sintonía con los tiempos, encontraron en «Harlem Shuffle» el hit (y el videoclip) necesario para no perder el tren de la era MTV y el disco rankeó entre los primeros puestos en Estados Unidos y el Reino Unido. Pero ¿es un álbum de los Rolling Stones?

«Es raro, porque usualmente me gusta hablar de los discos que acabo de hacer, pero con este siento que no quiero decir mucho. Mick hizo un poco, pero fue un disco inspirado por Keith Richards», dijo un dubitativo Lillywhite a Spin en 1986. En 2010, en una entrevista con A.V. Club, no se guardó nada: «Sí, yo produje el peor disco de los Rolling Stones. Hasta que llegó el que le siguió. [Risas]. Pero, básicamente, porque no pude rechazarlos. Un verdadero hombre nunca dejaría pasar la chance de trabajar con leyendas como ellos. Pero eso no quiere decir que supiera que iba a ser bueno. Es necesario un buen viento de cola para hacer un gran disco, y los Stones no lo tenían entonces. Había demasiada amargura. Fue el mal final de sus adicciones. Fue un lío, pero tuve que hacerlo. Aprendí más de ellos que ellos de mí, eso es todo lo que puedo decir de la experiencia».

Pese a los deseos de Richards, Jagger se negó a presentar el álbum en vivo y se lo informó al resto de una manera, digamos, diplomática: por carta. «Hacer un tour con Dirty Works hubiera sido una pesadilla. Fue un período terrible —le contó en 1995 al periodista Jann Wenner—. Nos odiábamos, había muchos desacuerdos. Era lamentable, y Charlie estaba en muy mal estado… En retrospectiva, estuve ciento por ciento en lo correcto… Probablemente hubiera sido el final de la banda».

El guitarrista lo tomó como un vil engaño cuando se enteró de que el cantante iba a presentarse en vivo con un segundo álbum solista bajo el brazo. «La gran traición de Mick, la que me cuesta perdonar, una maniobra que parecía diseñada con el propósito de acabar con los Rolling Stones, fue que anunciara en marzo de 1987 que saldría de gira con Primitive Cool —escribió «Keef»—. Para nosotros aquello fue una bofetada en la cara, una condena a muerte pendiente de apelación».

Para echar más leña al fuego, en una entrevista Jagger dijo que los Stones eran «una piedra atada al cuello». En respuesta, Richards desató «la Tercera Guerra Mundial» en la prensa y salió a atacarlo con todo lo que tenía. Hasta amenazó con cortarle la garganta si se le ocurría tocar canciones de los Stones con otros músicos. «Ya ni recuerdo todos los comentarios mordaces y las burlas que salieron de mi boca: “Es un disco boy; el grupito para que Jagger se haga una paja; ¿por qué no se junta con Aerosmith?”… —relata Richards en Vida—. Llegó un punto en que la cosa se puso muy fea, y un día un periodista me preguntó: “¿Cuándo van a dejar el puterío?”. “Pregúntale a la puta”, respondí. Y luego pensé: “Que haga lo que le plazca, ¡que se rompa la cara él solito!”. Había dado muestras de la más absoluta falta de amistad y camaradería, carecía de lo necesario para mantener unida a una banda. Todo era una mierda».

Dirty Work casi termina como el último disco de los Stones, pero hoy puede verse como el fusible que evitó el apagón final. Jagger inició su faceta como solista, y hasta Richards comenzó a pensar y trabajar en la suya de la mano de su propia banda, los X-Pensive Winos. La guerra entre ambos continuó un tiempo, hasta que en 1989 acordaron una reunión en Barbados para firmar la paz. «Independientemente de lo que haya podido pasar, Mick y yo tenemos una relación que todavía funciona. ¿Cómo si no, al cabo de casi cincuenta años, podríamos plantearnos aún volver a salir juntos a la carretera?», escribió el guitarrista en su libro. La respuesta la podemos escuchar esta semana, en la ciudad de las diagonales.

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Doce películas de 2016 que queremos ver ya

Una selección de los tanques que llegarán el año que viene y que no podemos esperar.

Zoolander 2

Quince años después, ya retirado de la moda, Derek Zoolander regresará al mundo fashion para ayudar a Interpol a resolver un crimen y reencontrarse con su archienemigo. El 11 de febrero quedaremos perplejos por su mirada “blue steel”.

Los ocho más odiados

Apenas hay que aguardar hasta el 14 de enero para lo nuevo de Quentin Tarantino que, después del éxito de Django (2012), regresa con otro western ambientado años después de la  Guerra Civil norteamericana, sobre ocho extraños que se refugian de una tormenta de nieve y se verán involucrados en una conspiración. Con Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Tim Roth, Jennifer Jason Leigh, Demian Bichir y Michael Madsen, entre otros, además de la música original del genial Ennio Morricone.

Batman vs. Superman

El director Zack Snyder tendrá la enorme de responsabilidad de llevar a la pantalla uno de los enfrentamientos históricos del cómic en un film multipropósito: continuar la saga del hombre de acero, revivir al encapotado y ubicarlos en un universo de superhéroes (junto a la Mujer Maravilla y Acuaman) y supervillanos que prepare el terreno para La Liga de Justicia. Lo que a Marvel le llevó varios años y películas, Warner-DC intentará lograrlo de un solo y riesgoso golpe maestro que, ante todo, esperamos que no defraude. El 24 de marzo lo sabremos.

Capitán América: Civil War

Será la otra gran pelea de superhéroes del año, en este caso entre Steve Rogers y Tony “Iron Man” Stark, enfrentados por una medida de control del gobierno que partirá al equipo de Vengadores en dos facciones. Una historia que promete ser una “mini The Avengers” y que servirá de presentación para Black Panther y la introducción de Spider-Man al universo cinemático de Marvel. El mundo se dividirá el 5 de mayo.

Angry Birds

Los pajarracos más famosos en la historia gamer volarán al cine el 12 de mayo en una aventura de animación en 3D, con las voces de Peter Dinklage (Mighty Eagle), Jason Sudeikis (Red) y Josh Gad (Chuck).

X-Men: Apocalipsis

Lo buena que se ha puesto esta saga después de Primera generación (2011) y Días del futuro pasado (2014) no tiene nombre. Ahora continuará en los años 80, con el primer y más poderoso mutante, que despierta luego de un sueño centenario y planea eliminar a la humanidad de la Tierra. El fin del mundo llega el 19 de mayo.

Warcraft

Sabemos que las películas basadas en videojuegos no suelen ser buenas, pero ¿cómo no tener expectativas ante la adaptación de una de las franquicias más geniales y exitosas? ¿Y cómo no darle crédito si dirige Duncan Jones, autor de dos excelentes películas como Moon (2006) y Ocho minutos antes de morir (2011)? El 30 de junio, el cine se llenará de gigas y gigas de fantasía épica.

Cazafantasmas

A más de uno se le paralizó la nostalgia cuando se enteró que iban a rebootear el clásico equipo de cazadores de espíritus de los 80, pero como un team femenino. Más allá de la polémica, hay que tener fe cuando son de la partida especialistas en comedias como Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Kate McKinnon, Leslie Jones y el director Paul Feig (Damas en guerra, Chicas armadas y peligrosas). Después de todo, si esta es la idea, who you gonna call? Estrena el 21 de junio.

El escuadrón suicida

Hasta hace pocos meses, solo el comiquero de ley conocía a este grupo de tareas de delincuentes, antihéroes y supervillanos que realiza operaciones sucias del gobierno para conmutar penas. Pero ahora tiene millones de fans y la expectativa de todo el mundo cinéfilo tras ver que estará ¿liderado? por una nueva y desquiciada versión del Guasón, a cargo de Jared Leto, que revoluciona las redes sociales con cada foto que aparece de su caracterización. Hay que aguantar hasta el 11 de agosto.

Los siete magníficos

Remake de aquel clásico western de los años 60 con Charles Bronson, Yul Brynner y Steve McQueen, entre otros (que, a su vez, era una versión de un film de Akira Kurosawa), sobre un grupo de pistoleros que se unen para proteger a un pueblo contra salvajes ladrones. Llegará el 22 de septiembre, con Chris Pratt, Matt Bomer, Denzel Washington, Ethan Hawke, Peter Sarsgaard y gran elenco bajo las órdenes de Antoine Fuqua (Día de entrenamiento, Revancha).  

Doctor Strange

Benedict Cumberbatch será el encargado de darle vida al hechicero supremo, un personaje que puede abrir el universo Marvel hacia la magia, el misticismo, las dimensiones paralelas y el lado más lisérgico y sobrenatural del cómic. El actor británico, una elección que parece acertadísima, estará acompañado de los siempre brillantes Mads Mikkelsen (Hannibal) y Tilda Swinton (Un reino bajo la luna, Snowpiercer) bajo las órdenes del director Scott Derrickson, quien en los últimos años se ha consolidado como uno de los capos del terror (El exorcismo de Emily Rose, Sinister, Libéranos del mal). Todavía no hay imágenes y apenas circulan unas pocas primeras fotografías del set, así que deberemos esperar hasta el 3 de noviembre tratando de olvidar la primera película que se hizo de Dr. Strange, allá en 1978.

Rogue One: A Star Wars Story Después de la locura desatada por El despertar de la fuerza, queremos más. Por eso, de acá a 2019 vamos a tener una película de Star Wars por año. Esta será la primera de una nueva serie de historias situadas en la galaxia muy muy lejana, en este caso una aventura que conecta los acontecimientos de Episodio III y IV, protagonizada por el grupo de rebeldes que roba los planos de la Estrella de la muerte. El universo se seguirá expandiendo el 15 de diciembre.

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Diez canciones con citas a Star Wars

Nos ponemos a tono para el estreno de Episodio VII con la desquiciada selección musical de una galaxia muy muy lejana.

The Aquabats – “Playdough”

Era imposible que los más nerds del ska no tuvieran una canción dedicada a la saga de George Lucas y acá está, con menciones a Greedo, Chewbacca, Luke, R2-D2, Han, C-3PO, Yoda, Boba Fett y Obi-Wan.

Blink-182 – “A New Hope”

Los punks californianos compusieron este tema para la Princesa Leia en su álbum Dude Ranch, de 1997. También tiene referencias a Tatooine, Alderaan, Endor, Han y Lando.

The Bloodhound Gang – “Fire Water Burn”

La monada de Pennsylvania incluyó menciones en varias de sus canciones: a Chewbacca en "Why's Everybody Always Pickin' On Me", a Obi-Wan en "Jackass" y a Luke Skywalker en "No Rest for the Wicked". Pero la mejor línea está en este hit de 1997: "Cause I'm kind of like Han Solo, always stroking my own Wookiee".

Eminem - "Stay Wide Awake"

El ex Slim Shady es otro fan que metió referencias en diversos de sus trabajos, como “Rain Man”, "Old Time's Sake" o "Rhyme or Reason", pero nos quedamos con esta canción de su disco Relapse (2009).

MC chris – "Fett's Vette"

Comediante, actor de doblaje, guionista (trabajó varios años para ciclos como Aqua Teen Hunger Force, Sealab 2021 y Space Ghost) y estrella del nerdcore que compuso esta oda al cazarrecompensas Boba Fett.

Queen – "Bicycle Race”

Freddie no creía en Peter Pan, Frankenstein o Superman ni le gustaba Star Wars. Solo quería andar en bicicleta.

Supernova  - “Chewbacca” 

La banda de sonido de la comedia Clerks tenía una selección del “rock alternativo” norteamericano de principios de los 90, como Alice in Chains, Soul Asylum, Bad Religion y el homenaje de estos punks al wookiee más pulenta del universo. 

Robbie Williams – “Viva Life on Mars” 

El ex Take That se transforma en un cowboy galáctico y se sube al Halcón Milenario en este track de su álbum Rudebox (2006): “Take a ride on your high horse / If the horse is blind, use the force / The falcon flies in two straight lines / Red five standing by / It's not a moon it's a space station”.

"Weird Al" Yankovic – “Yoda” y “The Saga Begins”

Quizás las dos más grandes cargadas a La guerra de las galaxias: una dedicada al pequeño maestro verde, con música de los Kinks, y otra que le pega a Episodio I con "American Pie", de Don McLean, como base. Que la fuerza te acompañe siempre, gran Weird Al, Jedi de la parodia, Lord del spoof hit.

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Diez momentos épicos de Star Wars

Repasamos las grandes escenas de la saga, preparándonos para el estreno de Episodio VII

10. El campo de asteroides (Episodio V - El imperio contraataca)

Han Solo demuestra que puede ser el Michael Schumacher de la galaxia al meterse en un granizado estelar para escapar de unas naves imperiales, en una persecución para ajustarse los cinturones de la butaca. ¡Roca n’ roll!

9. El nacimiento de Darth Vader (Episodio III - La venganza de los Sith)

Aunque no esté a la altura de la saga original, la trilogía precuela ofrece excelentes momentos. Y si hay uno que merece estar en el top ten general es este, equiparable a cualquier clásico del terror. De los despojos quemados de Anakin Skywalker, los restos de apenas un hombre, el Emperador crea un monstruo tan poderoso como atormentado. Otra que Frankenstein, George Lucas.

8. La fosa de Carkoon (Episodio VI - El regreso del jedi)

Han, Luke y Chewbacca están a punto de transformarse en comida del temible Sarlacc. “En su estómago, encontrarán una nueva definición de dolor y sufrimiento al ser digeridos durante mil años”, cancherea Jabba the Hutt, antes de que R2-D2 y compañía le pinchen la ejecución. Una escena que tiene todo lo que más nos gusta de Star Wars: criaturas exóticas y horripilantes, peleas con sables láser y la princesa Leia en bikini.

7. Yoda entrena a Luke (Episodio V - El imperio contraataca)

El joven héroe termina en los pantanos de Dagobah, donde un sabio viejito verde lo adiestrará en las artes Jedi. Ejercita el poder del cuerpo y la mente, pero no consigue emplear la fuerza que lo rodea para rescatar a su X-Wing sumergido. El anciano cierra sus ojos y lo eleva de las profundidades como magia. “No puedo creerlo”, dice un Luke boquiabierto. “Es por eso que fallas”, responde Yoda. Maestro.

6. La cantina (Episodio IV - Una nueva esperanza)

Luke y Obi-Wan se meten en un peligroso antro de malandras espaciales en busca del piloto más rápido del sistema estelar. No solo es la presentación de Han Solo: es el instante en que La guerra de las galaxias se convierte en un western mitológico.

5. Luke vs. Darth Vader (Episodio VI - El regreso del Jedi)

Luego de la revelación que nos dio El imperio contraataca, estábamos en vilo por este enfrentamiento que es mucho más que la final entre el bueno y el malo (no, no hacemos spoilers, por si nos está leyendo algún marciano). Toda la primera saga se construyó para este momento y Lucas no defrauda con una tragedia griega de proporciones cósmicas.

4. Han Solo es freezado (Episodio V - El imperio contraataca)

El personaje de Harrison Ford es congelado en carbonita, en una dramática escena que nos dejó desde chocolates  y jabones hasta las cubeteras y fundas para celulares más cool del imperio. Tranqui, Chewie: “Está vivo, y en perfecto estado de hibernación”.

3. El comienzo (Episodio IV - Una nueva esperanza)

En la vastedad del espacio, entra en cuadro una pequeña nave rebelde y, atrás, un inconmensurable destructor a los tiros. ¿Hay alguna otra película en la historia del cine con una introducción tan definitiva? En una sola toma, Lucas presenta el conflicto y nos lleva a una galaxia muy muy lejana de la que nunca queremos volver.

 

2. El asalto a la Estrella de la muerte (Episodio IV - Una nueva esperanza)

Quizás el mayor clímax de toda la saga: una batalla contrarreloj para salvar a la rebelión destruyendo la más grande y mortífera máquina de guerra jamás creada. Quince minutos de disparos, cazas rasantes,  drama, muertes y explosiones que le empardan despliegue y dramatismo a cualquier clásico bélico convencional, y que nos dejaron el gran mantra universal para superar todo desafío: “usa la fuerza”.

1. “Yo soy tu padre” (Episodio V - El imperio contraataca)

El momento en el que George Lucas convierte una saga de fantasía y acción en una tragedia interestelar. Luke Skywalker se enfrenta a su némesis y descubre, al mismo tiempo, que su mentor Obi-Wan le había mentido, y que en su sangre corre la más oscura verdad. “Únete a mí, y juntos dominaremos la Galaxia como padre e hijo”. FAAAAAAHHHH.

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Discos: Vuelve The Beatles 1, pero recargado

Una nueva edición de su colección de temas que alcanzaron el primer puesto incluye, por primera vez, los videos de la banda.

Fanáticos de los Beatles, tenemos una excelente noticia: deberán seguir gastando el sueldo en su banda favorita. A 15 años de su lanzamiento original, se acaba de reeditar la exitosa recopilación 1, pero en una serie de nuevas versiones que, por primera vez de forma oficial, incluyen los videos de la banda.

La reedición ya está disponible en diversos formatos. El CD o DVD (y el combo de ambos) presenta los 27 singles que alcanzaron la primera posición en los Estados Unidos y el Reino Unido entre 1962 y 1970 y sus respectivos clips. Desde “Love Me Do” y “From Me To You” hasta “Let It Be” y “The Long and Winding Road”, cuentan con nuevas mezclas en estéreo y sonido 5.1, más un minucioso proceso de restauración digital de la imagen. La mayoría de estos films están desperdigados en internet en distintas calidades, pero es un placer encontrarlos ahora reunidos con una nitidez y un color sin igual. Apple Corps destinó un equipo de 18 técnicos y artistas que se encargó durante meses de recuperar y retocar las minipelículas, presentaciones en TV y otras clásicas filmaciones de la banda, precursoras del formato videoclip, en un proceso de limpieza y mejoramiento digital cuadro por cuadro.

Además, Paul McCartney y Ringo Starr sumaron comentarios y presentaciones para “Penny Lane”, “Hello, Goodbye”, “Hey Jude” y “Get Back”.

Pero la joya para los coleccionistas es la versión 1+,  que suma un segundo disco con otros 23 videos. Allí podemos encontrar tomas alternativas de “Day Tripper”, “We Can Work It Out” y “I Feel Fine”, donde se puede ver a los Beatles comiendo fish and chips durante una pausa de aquella agotadora jornada del 23 de noviembre de 1965 en los estudios Twickenham, cuando grabaron unos diez videos promocionales en pocas horas, y la cámara siguió rodando durante su almuerzo.

También hay dos versiones de “Rain”, el lado B de “Paperback Writer” (una en colores realizada en Chiswick House, el 20 de mayo de 1966, y otra en blanco y negro, con tomas hechas un día antes en Abbey Road) y otras dos de “Hello, Goodbye” (con diferentes montajes sobre material rodado el 10 de noviembre de 1967, en el Saville Theatre de Londres).

En 1+ también se incluyen clips más modernos, como los de los singles “Free as a Bird” (1995), “Real Love” (1996) y la mezcla de “Within You Without You / Tomorrow Never Knows”, creada para el espectáculo Love del Cirque du Soleil, en 2006. Del total de 50 videos de esta versión de lujo (acompañada por un libro de 124 páginas), 20 no fueron incluidos en el célebre The Beatles Anthology, y los restantes  apenas se han visto en fragmentos o editados.

Con más de 31 millones de copias, 1 fue el álbum más vendido de la década pasada. ¿Podrá repetir la hazaña en estos años de vinilo y streaming? Si se trata de los fab four, todo es posible.

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Se estrena el nuevo documental de Martin Scorsese

The 50 Year Argument recorre momentos históricos de la cultura a través de las páginas de la polémica e influyente revista The New York Review of Books.

Decía el escritor Samuel Johnson que “la literatura es una especie de luz intelectual que, como la del sol, nos permite ver lo que no nos gusta. Pero ¿quién desearía escapar de las cosas no placenteras condenándose a la oscuridad perpetua?”. Si es así, The New York Review of Books es un faro que iluminó cada rincón de la vida intelectual de los Estados Unidos, por sombrío que fuere, durante las últimas cinco décadas.

Filmado por Martin Scorsese y David Tedeschi, The 50 Year Argument (que se estrena este lunes 2 a las 22 por HBO) es un contundente y sentimental recorrido por los acontecimientos sociales, políticos y culturales más importantes de Norteamérica y el mundo desde la mitad del siglo xx hasta la actualidad, a través de la historia de uno de los medios más polémicos e influyentes de esos años.

The New York Review of Books se fundó en 1963 de la mano de los editores Robert Silvers y Barbara Epstein, quienes deseaban una publicación que revitalizara y devolviera la pasión y la inteligencia a la crítica literaria, a la que por entonces consideraban en decadencia y “lobotomizada”. “Cuando empezamos, no buscábamos ser parte de un establishment —dice Silvers en el film—. Todo lo contrario: queríamos examinar los mecanismos y la veracidad de los establishments, fueran políticos o culturales”.

Así nació una revista que fue mucho más allá del reporte y la valoración de libros, sino que ayudó a pensar la realidad mediante ensayos meticulosos, observadores, con argumentos provocadores y opiniones confrontativas. Por sus páginas pasaron las ideas (y peleas) de Gore Vidal, Norman Mailer, Susan Sontag (los tres se sacaron chispas dialécticas sobre feminismo), Truman Capote, Saul Bellow, Adrienne Rich y decenas de otros grandes exponentes intelectuales que reflexionaron sobre derechos civiles, guerras, justicia, música, deportes y conflictos sociales.

En sus páginas se pueden encontrar muchos de los artículos más agudos y elaborados sobre Vietnam, Irak, la caída del muro de Berlín, la Guerra de los Balcanes o el movimiento Occupy Wall Street. Apelando a las partes más ardientes de esos textos, más material de archivo y entrevistas con sus autores, el documental ofrece un revelador viaje a través de aquellos significativos años con un relato que no deja público afuera: es tanto ameno, accesible y educativo para el espectador neófito como cómplice y estimulante para las “ratas de biblioteca”.  

The 50 Year Argument es, también, una reflexión sobre un ejercicio del periodismo hoy en crisis: el de la completa independencia de los magnates editoriales, el que está presente en el lugar de los acontecimientos, aquel que siempre contrasta opiniones y hechos, el que produce textos donde cada palabra tiene un peso y una razón, y el que constante e inflexiblemente “escarba la superficie” de los sucesos.

En ese sentido, verlo a Silvers, con sus 84 años, encorvado sobre un escritorio entre pilas y pilas de libros mientras edita, revisa y discute minuciosamente cada párrafo de los artículos en papel, llamando por teléfono (¡y dejando mensaje!) a sus autores para pedir explicaciones o dar sugerencias, vale más que mil palabras. Es la imagen de alguien que defiende, desde los ideales y la sapiencia, un bastión cercado hoy por intereses políticos y económicos, y cuya práctica parece definida por la urgencia de los lectores, el testimonio por WhatsApp, los conceptos en 140 caracteres, el clickbait como estilo y el verbo en condicional como amparo profesional.

En una escena, Scorsese recorre los centenares de libros que se erigen en la redacción y su cámara se detiene sobre el que podría ser, también, el título de su propio y polémico ensayo: Social Media is Bullshit (de B.J. Mendelson). No es casualidad. Él sabe, como define el filósofo Avishai Margalit en este brillante documental, que “las revistas no cambian el mundo, pero sí dan forma a un clima de ideas”.



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(Solo) diez películas de Steven Spielberg

Por el estreno de su nuevo film, Puente de espías, nos metimos en el problema de elegir únicamente diez títulos del gran cuentista de Hollywood.

Tiburón (1975)

La caza del gran (¡GIGANTE!) tiburón blanco fue un infierno en el agua para Spielberg. Más de un directivo de Universal pidió su cabeza cuando el presupuesto se duplicó producto de innumerables retrasos en la filmación, problemas de locación, un guión que se escribió sobre la marcha y diversas ironías técnicas (como que uno de los tres tiburones de utilería terminará hundido). Encima, los protagonistas Robert Shaw y Richard Dreyfuss se odiaban, y hasta algunas escenas se crearon inspiradas en la mala relación que tenían tras las cámaras. Pero no hay mal que por bien no venga: Jaws se convirtió, hasta la llegada de Star Wars poco después, en el film más taquillero de la historia (cuarenta años después, lleva recaudados más de 470 millones de dólares) y fue la película que definió el concepto moderno de blockbuster.

Encuentros cercanos del tercer tipo (1977)

Su primer encuentro con la ciencia ficción fue, también, el regreso a un primer amor, ya que el film guarda muchos paralelismos con Firelight, una cinta que hizo cuando apenas tenía 17 años. Originalmente, iba a tratar sobre una conspiración ovni  gubernamental, pero luego viró a la historia de un hombre obsesionado con visitas espaciales (y, bueno, también con el puré de papas).

Los cazadores del arca perdida (1981)

Casi se llamó Indiana Smith e iba a estar interpretado por Tom Selleck. Pero, por esas cosas del destino (y del estudio CBS, que no quería perder a la estrella de su serie Magnum P.I.), Harrison Ford se calzó el sombrero y se convirtió en el arqueólogo más aventurero del mundo. Debe ser, también, uno de los filmes con más escenas históricas por minuto. ¿Se acuerdan del reemplazo del golden idol por un saco de arena? ¿Del escape de la piedra gigante rodante? ¿Del “pozo de las almas” con centenares de serpientes? ¿Esa del avión en el desierto? ¿O la lluvia de tarántulas? ¿Y la fantasmagórica apertura del arca y esas caras derretidas? ¿Y cómo olvidarse del mono nazi? Toda tu infancia está acá.

E.T., el extraterrestre (1982)

Iba a ser una película de terror sobre una familia de granjeros acechados por un temible alien (incluso el famoso dedo luminoso estaba pensado como un arma). Pero el director, abrumado por los nazis y las explosiones de Los cazadores…, sintió que debía regresar a la tranquilidad y espiritualidad cósmica de Encuentros cercanos… Y así transformó esa historia en una gran fábula sci-fi para toda la familia. Una vez más, tuvo razón.

El color púrpura (1985)

Fue su primer drama histórico y un gran riesgo artístico, ya que confió el protagonismo en dos desconocidas (Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey, todavía una conductora de TV en Chicago) para retratar los abusos, la pobreza y el racismo que enfrentaban las mujeres negras en los Estados Unidos a comienzos del siglo xx. Las dos entregaron actuaciones que valieron nominaciones al Oscar, el film fue un suceso y Spielberg, sin dejar la aventura y fantasía, abrió su paleta hacia otro cine.

Jurassic Park (1993)

Hace poco más de 20 años, nadie sabía lo que era un velociraptor y el último T-Rex vivo era Barney, hasta que vino Spielberg e hizo que los dinosaurios volvieran a dominar el mundo.

La lista de Schindler (1993)

Apenas seis meses después de reventar las boleterías con pochoclos prehistóricos, hizo su “salto de madurez” hacia temas crudos y comprometidos con su demoledora mirada sobre el holocausto. Oscar, consagración para los cultores del “cine serio” y un film no apto para ir a apretar (pregúntenle a Seinfeld, si no).

Minority Report: Sentencia previa (2002)

Spielberg tomó el cuento original de Philip K. Dick y creó un thriller policial à la Blade Runner con fascinantes componentes estéticos de anticipación, muchos de los cuales hoy son casi realidad (como publicidades personalizadas o computadoras que se operan mediante gestos). Pero debajo de tanto gadget, no pierde el hilo del dilema favorito del autor: la existencia del libre albedrío en una realidad que parece predeterminada. Este año, se convirtió en una serie de FOX.

Caballo de guerra (2011)

Así como lo hizo en Rescatando al soldado Ryan, Spielberg cuenta la épica de un soldado. Solo que ese soldado es un caballo y sirve para exponer todas las virtudes y miserias del ser humano: desde la crueldad y la avaricia hasta la compasión, la nobleza y la valentía. El director apela a los clásicos  recursos de la época de oro de Hollywood: diálogos grandilocuentes, batallas dramáticas, coros de violines, besos apasionados y siluetas recortadas en atardeceres de furioso naranja. Todo lo que hoy podría considerarse como una estética antigua, trillada y hasta grasa, Spielberg lo reivindica en una obra conmovedora.

Lincoln (2012)

Lejos de una biopic tradicional, el director retrata al célebre presidente de los Estados Unidos en los últimos meses de su vida mostrando las pujas, los acuerdos y las traiciones detrás de la aprobación de la enmienda constitucional que abolía la esclavitud. Quizás sea su film más teatral y, más allá de su visión pedagógica y patriarcal de la política norteamericana, es un pedazo ineludible de su historia.

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Diez películas marcianas

Repasamos la fascinación de Hollywood con el planeta rojo.

Invasores de Marte (1953)
Unos meses antes de que La guerra de los mundos se convirtiera en un clásico de clásicos, apareció este pequeño gran film sobre marcianos que se apoderaban de la mente de las personas, haciéndolos actuar de manera fría e inhumana. La paranoia roja comenzaba a copar la cabeza de los norteamericanos.



La guerra de los mundos (1953)
Ahora miramos a nuestro colorado vecino con ganas de coparle el patio. Pero hasta hace 50 años, Marte inspiraba terror. H.G. Wells lo imaginó como un lugar de horribles invasores en su novela original, que Orson Welles llevó a la radio en 1938 en un drama que causó pánico masivo. Y, cuando llegó al cine, la ciencia ficción nunca sería igual.




El vengador del futuro (1990)
Exitazo dirigido por Paul Verhoeven y protagonizado por Arnold Schwarzenegger como un obrero terrestre que resulta ser un luchador por la independencia marciana. Basada en un relato de Philip K. Dick con muchas de sus obsesiones: dobles personalidades, confusión entre fantasía y realidad, manipulación mental, vigilancia corporativa y mujeres con tres tetas.



¡Marcianos al ataque! (1996)
Tim Burton es un experto en recuperar íconos olvidados de la subcultura pop de los años 50 y 60, en este caso, las figuritas de los marcianitos más jodidos que tuvo la ciencia ficción. Con un elenco galáctico (Jack Nicholson, Glenn Close, Pierce Brosnan, Annette Bening, Danny DeVito, entre otros) y estilo B-movie, construye una sátira política que funciona como una simpática respuesta a su contemporánea (y recalcitrantemente republicana) Día de la independencia.



Misión a Marte (2000)
Brian De Palma fue una de las víctimas de esa extraña fiebre marciana que afectó a varios cineastas y estudios a principios de siglo, como un verdadero millenium bug extraterrestre. El director de Carrie pone en órbita a Tim Robbins, Gary Sinise y gran elenco en una misión de rescate que terminará descubriendo el verdadero origen de la humanidad. Entre mensajes new age y leyendas de Cydonia, resulta que todos somos polvo (rojo) de estrellas.



Planeta rojo (2000)
Un todavía galán Val Kilmer nos muestra que la terraformación del mundo vecino para hacerlo habitable quizás no sea la mejor idea; en especial, si tenés que luchar contra insectos marcianos carnívoros (¡y explosivos!) y un robot con el modo psicópata en on. Igual, las consecuencias fueron más catastróficas para el público y la taquilla.



Fantasmas de Marte (2001) 
¿Qué hacía Jason Staham antes de convertirse en el último héroe de acción? Bueno, era bailarín en videos de The Shamen https://youtu.be/wFB3q0mMBK8 y Erasure. https://youtu.be/AvhgG9ee9Aw Pero, después, fue parte de este absurdo y delirante space-western de John Carpenter. Pero al maestro del horror se le perdona todo.



Doom (2005) 
Uno esperaría que las puertas al infierno estén en Mercurio (por el calorcito, ¿vio?), pero no: ¡están en Marte! Y vos un marine que tiene que reventar la mayor cantidad de demonios posible en un laboratorio del planeta rojo. En los 90, Doom fue una revolución: uno de los primeros y más exitosos first person shooter, esos juegos que nos ponen en perspectiva de volarle la cabeza a cualquier cosa que se mueva. Pero, con esta adaptación al cine, fueron los fans los que se quisieron pegar un tiro. Igual, hay que darle un crédito extra en su intento de replicar en pantalla grande la experiencia gamer y darnos la mejor escena tributo a la acción en primera persona.



John Carter: entre dos mundos (2012)
Un exsoldado de la guerra de secesión de los Estados Unidos (Taylor Kitsch, de la segunda temporada de True Detective) es transportado por accidente a un Marte habitado por extrañas criaturas, y se verá involucrado en una lucha entre las dos principales civilizaciones del planeta. La primera incursión en el cine live action del director Andrew Stanton  (Buscando a Nemo, Wall-E) mezcla western, ficción histórica, comedia y grandes batallas, con un resultado que amartiza entre La guerra de la galaxias, Furia de Titanes  y El príncipe de Persia.



Misión rescate (2015)
Fiel adaptación del excelente best seller El marciano, de Andy Weir, el director Ridley Scott regresa al espacio para contarnos la historia de un astronauta (Matt Damon) que queda varado en Marte y debe pelar puro ingenio y sabiduría para sobrevivir 549 días hasta que llegue el rescate. Cálculos matemáticos para reservar calorías, fórmulas químicas para producir agua y técnicas para cultivar las primeras papas marcianas con caca terrícola, Misión rescate es un enorme aguante a la ciencia: única fuente de vida y esperanza.



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El mágico mundo de Guillermo del Toro

Un recorrido por lo mejor de la filmografía del director mexicano, ante el estreno de su nuevo film: La cumbre escarlata.

El espinazo del diablo (2001)

“¿Qué es un fantasma? Un evento terrible condenado a repetirse una y otra vez, un instante de dolor quizás, un sentimiento suspendido en el tiempo…”, dice protagonista del film que, después de Cronos (1993), reencuentra al director con Federico Luppi en la escalofriante historia de un niño atormentado por un espíritu durante la Guerra Civil Española. “Intenté usar el orfanato como el clásico edificio poseído del romance gótico y la historia del fantasma para probar lo mismo que quise probar en El laberinto del fauno: que los únicos monstruos reales son los humanos y que de lo único que debés tener miedo es de la gente” explicó, años más tarde, sobre el film que comenzaría a desarrollar su realismo mágico.

Hellboy (2004)

Una de las mejores adaptaciones de un cómic al cine y, posiblemente, uno de los castings más acertados de la historia: ¿acaso Ron Perlman no nació para interpretar al demonio con puño de piedra? La creación de Mike Mignola fue un parque de diversiones para que Del Toro (un fan del personaje) jugara con sus obsesiones: ocultismo, totalitarismo, mitología, conspiraciones y mucha fantasía nerd.

El laberinto del fauno (2006)

Del Toro se inspiró en una experiencia sobrenatural de su infancia, su encuentro “real” con un fauno, para la historia de una niña que escapa de la opresión del franquismo a un mundo de fantasía. El director considera este cuento de hadas antifascista como “la hermana” de El espinazo del diablo. “Tenía que hacer un film que, estructuralmente, fuera su eco y que pudieras verlas una tras otra. El laberinto… es como su lado femenino —le contó al diario The Guardian—. Quise hacerla porque el fascismo es, definitivamente, una cosa de hombres y un juego de niños, por lo que quise oponerle a eso el universo de una nena de once años”.

Titanes del Pacífico (2013)

Verdadero tributo hollywoodense a dos especialidades del arte visual japonés: el mecha anime (los dibujitos con robots gigantes) y el cine de kaiju (de monstruos gigantes, como Godzilla). Una superproducción 3D con la hipérbole de acción mecánica de Transformers y el futurismo de Blade Runner que nos recuerda que, cuando éramos chicos, todos quisimos ser piloto de Mazinger.

La cumbre escarlata (2015)

Edith Cushing, aspirante a escritora e hija de una acaudalado industrial (Mia Wasikowska), se enamora de Thomas Sharpe, un misterioso baronet (Tom Hiddleston). Juntos se irán a vivir a una mansión de pesadilla, en Inglaterra, acechada por horribles espíritus. Pero es a los vivos a quienes hay que temer. Dicen que siempre se vuelve al primer amor y así es como el director regresa al terror gótico en un drama que homenajea a los sangrientos clásicos de Hammer (hasta el apellido de la protagonista parece un guiño a Peter Cushing, actor fetiche del estudio). Del Toro condensa aquí todo el imaginario de su filmografía (niños traumados, insectos, casas embrujadas, máquinas barrocas) con resultados sobrecogedores más allá de algunas reiteraciones estéticas (los espectros son muy similares a lo ya visto en El espinazo… y, en especial, en Mamá, obra del argentino Andrés Muschietti, que el mexicano produjo en 2013). Pero, después de todo, ¿qué es un fantasma, sino “un evento terrible condenado a repetirse una y otra vez”?

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