jueves, 26 de diciembre de 2013

Cine: las películas que vienen en 2014





En la última columna de Negro Positivo, por FM ESPN 107.9, repasamos el calendario de los estrenos más importantes que tendremos el año próximo.


jueves, 5 de diciembre de 2013

Cine: crítica de "Kon-Tiki" - FM ESPN




En Bebe va de 10, por FM ESPN 107.9, hablamos de la película noruega candidata al Oscar por mejor film extranjero.

Diez películas que deberías haber visto este año

Qué estrenos de la pantalla grande local tenés que ver antes de que se termine 2013 y por qué; así de simple.



Una aventura extraordinaria
¿Por qué? Porque ¡la pucha que vale la pena estar vivo!

Un joven indio y el tigre computarizado más real que hayas visto, náufragos en el océano de la vida, en un viaje poético, espiritual (si se quiere), cargado de simbolismos y moralejas sobre las formas de afrontar los desafíos de la existencia y, por ende, interpretar lo que nos pasa.

Quien vea la obra del director Ang Lee con ojos irónicos e hipercríticos dirá que es un film edulcorado de poesía new age con mensajes de esa nueva “espiritualidad de supermercado”. Quien deje descansar el cinismo por dos horas, descubrirá una obra reconfortante, inspiradora, sin solemnidades y con un lirismo visual arrollador. Como mucho en esta vida, depende de vos.


El gran Gatsby
¿Por qué? Porque Leo Di Caprio es lo más.

Cuenta la leyenda que Scott Fitzgerald, al comenzar a delinear su novela, dijo que quería hacer “algo novedoso; algo extraordinario, bello, simple y, a la vez, intrincado”. Casi 90 años después, Ben Luhrmann le da nueva vida en un film que, para los puristas, podrá pecar de extravagante, pero que, bajo una mirada posmoderna y personal, recupera, respeta y enaltece aquella intención del escritor. Luhrmann toma una historia de amor (imposible) clásica, pero la filma en un 3D espectacular, la remixa con hip-hop y electrónica y apela a todos los recursos estéticos y estilísticos del siglo XXI para expresar la fastuosidad y el despilfarro de los años 20.

Un film “de época” solo en ubicación y vestuario, pero netamente actual en confección, con un descomunal Leonardo Di Caprio (quien este año también brilló en Django sin cadenas), que se consolida como la gran estrella masculina de cine de las últimas dos décadas.


El hombre de acero
¿Por qué? Porque es el (súper) regreso del año.

Pavada de desafíos: Reflotar una franquicia hundida tras el fracaso de Superman Regresa (2006) y recuperar un personaje que estaba desde ridiculizado hasta opacado y dejado de lado por el público, ahora afín a héroes más “creíbles” como Batman, Spider-Man o Iron Man.
¿Cómo, entonces, respetar el origen y la esencia fantásticos de Superman y, a la vez, dotarlo de humanidad en sus dilemas para hacer empatía con la platea actual? La respuesta fue darle la producción de El hombre de acero a Christopher Nolan, artífice del renacimiento de Batman al otorgarle gravedad y realismo. Pero dejarle la dirección a Zack Snyder, tipo con experiencia en adaptar cómics a la pantalla y gusto por la pirotecnia visual (300 y Watchmen).

El resultado es la mejor película de Superman que se ha hecho hasta el momento. Henry Cavill es un Kal-El dignísimo y el film, más allá de sus altibajos, es irreprochable en su cometido de recuperar al personaje, sentar las bases para una franquicia y hacerte salir del cine creyendo que un hombre, realmente, puede derretir el metal con su mirada o surcar los cielos como un avión.


Antes de la medianoche
¿Por qué? Porque es la gran historia de amor cinematográfica de toda una generación.

Tercera parte (y etapa) de la vida amorosa entre Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy). Y si tenés alrededor de 30 o 40 años es muy difícil no sentirse vinculado a ellos: su historia ha crecido a la par de su audiencia y hay pocas películas románticas (aún menos sagas) que, dentro de los cánones de la fantasía idílica del género, son tan naturales, observadoras, profundas y humanas como la trilogía del director Richard Linklater.

Este es el capítulo más agridulce de los tres, un film tan cínico y amargo como tierno y esperanzador. Verlo con caramelos ácidos de limón duplica la experiencia cinematográfica.


Titanes del Pacífico
¿Por qué? Porque ¡¡¡ROBOTS Y MONSTRUOS!!!

Un impactante tributo hollywoodense a dos especialidades del arte visual japonés: el animé mecha (los dibujitos con mecanoides gigantes) y el cine de kaiju (esas películas en las que Tokio siempre era pisoteada por alguna criatura enorme y exótica, caso Godzilla). Gracias, Guillermo del Toro, por recordarnos que, alguna vez, cuando éramos chicos, todos quisimos ser piloto de Mazinger.


Metegol
¿Por qué? Porque es nuestra Toy Story.

Hay muchísimas cosas para destacar del primer trabajo de animación de Juan José Campanella. Tiene una factura técnica impecable, con astucia para evitar lo más demandante (y caro) de la CGI sin perder un píxel de detalle y preciosismo, comparables al de producciones extranjeras.

Es una historia de valores “glocales”: Metegol defiende tradición, pasión y comunidad por sobre corporativismo, marketing y individualismo sin descuidar identidad, costumbrismos, códigos y léxico futbolero nacional. Y arriesga: ni menottista ni bilardista, Metegol es “campanellista”. Fiel a esa melancolía barrial del director, se anima a dar vida a un juego tan nostálgico como olvidado (en lugar de “ir a lo seguro”, como antropomorfizar animalitos) para intentar poner a la Argentina en el mapa de la animación digital 3D.

¿Es un peliculón inobjetable que no tiene un solo problema? No, claro; pero hasta en eso su planteo es generoso y da material para que discutan los plateístas.


El conjuro
¿Por qué? Porque terror era el de antes.

El film de James Wan tiene una casa embrujada (ubicada, claro, en un bosque tenebroso); una familia humilde víctima de lo demoníaco; una médium; una mujer poseída que vomita y habla con voz gruesa (por ende, también hay un exorcismo); una ahorcada; una bruja; chirridos en puertas; relojes que se detienen a cierta hora; un sótano tétrico; un placard misterioso; pájaros que se estrellan contra las ventanas; apariciones en un espejo; una muñeca antigua poseída; objetos que se mueven solos; presencias misteriosas que deambulan por habitaciones... Y, por supuesto, todo está basado en hechos reales.

Tiene 20 elementos de terror que refieren, al menos, a una docena de películas, a saber: El exorcista, La profecía, El orfanato, Los pájaros, Actividad paranormal, Donde habita el diablo, Posesión infernal, Aquí vive el horror, Chucky, el muñeco asesino, La noche del demonio, El títere y El resplandor.

El conjuro es, para quien escribe, la gran estafa del 2013, pero tiene un enorme mérito: explotar la memoria visual del espectador y lograr asustar no por lo que es, sino por disparar en la mente aquello que nos aterrorizó alguna vez. Hay miedos que ya están en nuestro ADN cinéfilo, y con solo saber copiar la tipografía setentosa de El exorcista en sus títulos de apertura El conjuro eriza los pelitos de la nuca.

¿El resultado? La película de terror sensación de este año: más de 315 millones de dólares de recaudación en el mundo (sobre 20 millones de presupuesto) y más de 500.000 espectadores en nuestro país.

¿El consejo? Déjese asustar por imitaciones, pero no olvide comprar siempre terror original.


Gravedad
¿Por qué? Porque es la película del año.

Una obra maestra con la espectacularidad, tragedia y urgencia del cine catástrofe más el nervio y la desesperación de una historia de supervivencia: dos astronautas, varados en la inmensidad del cosmos, que tratan de volver a la Tierra.

Más allá del contexto sci-fi, este es un relato de resiliencia y superación personal. Gravedad habla de no aferrarse al dolor, de dejar ir aquello que te aleja del mundo y te aísla en la oscuridad.

Es, además, técnicamente única y revolucionaria. El director, Alfonso Cuarón, y su equipo idearon nuevas prácticas de filmación en 3D para replicar como nunca antes la sensación de flotación, vértigo y vacío que hay en el espacio. La cámara gira constantemente alrededor de los protagonistas, se mete en sus cascos, flota, desorienta. Y el film te envuelve en un silencio inmenso, tan pacífico como aterrador.

De los 7.000 millones de habitantes que hay en este planeta, apenas 530 personas fueron al espacio. Con solo ver Gravedad, vos podés ser uno de ellos.


Blue Jasmine
¿Por qué? Porque es el mejor Woody Allen.

Si con Medianoche en París (2011) el director se reencontró con los elementos que lo hicieron un ícono (ese humor intelectual y poder de observación mordaz y crítico de las clases sociales en los Estados Unidos), Blue Jasmine es su trabajo superador.

Hace décadas que no se veía a un Woody Allen tan consistente, fiel a su estilo sin apelar a tics y autohomenajes y, a la vez, tan duro, amargo y crudo en su comentario sobre la burguesía yanqui. Todo de la mano de una soberbia Cate Blanchett como esa patética señora bien en desgracia (vayan reservando el Oscar, señores de la Academia).

Pregunta para los que todavía discuten a Allen: ¿cuántos directores son capaces hoy de hacer, luego de 78 años y 45 películas, una de las mejores obras de su carrera?


Rush: pasión y gloria
¿Por qué? Porque enaltece el valor de la enemistad.

¿Es necesariamente malo tener un enemigo? ¿Qué pasa cuando la idea de vencer a ese adversario hace que te superes, que seas mejor? ¿Por qué tu enemigo no puede ser, también, tu gran inspiración?

Ron Howard llevó al cine una de las más emocionantes rivalidades de la Fórmula 1 durante la década de 1970: la del inglés James Hunt y el austriaco Niki Lauda. Pero también es una historia sobre el yin y el yang. Dos polos con el mismo origen e igual talento, pero personalidades opuestas. De un lado, Hunt: el playboy carismático, vicioso e irresponsable, acaso el primer rock-star del automovilismo. Del otro, Lauda: “la rata” cerebral, pragmática, laboriosa, parca y con un conocimiento técnico impecable, quizás el hombre que llevó las carreras a un nuevo nivel de profesionalismo.

Ambos se odian (en el film, en la vida real no era tan así), pero es un odio que encierra envidia, respeto y, en el fondo, admiración. Y van a llevar esa competencia a las pistas, en una carrera que incluye mujeres (muchas mujeres), excesos, traiciones, pasión, testosterona y una tragedia inspiradora.
Rush quizás no sea una gran obra: es una muy buena película sobre dos leyendas. Howard no filma con lirismo y vuelos estilísticos. Pero con su estilo clásico y ágil, avanza, acelera, se lleva puestas las delicadezas estéticas para meterte en la época y en los cascos de dos mentes apasionantes.

Y si no se te hace un nudo en la garganta con el final, con ese final que tiene Rush, entonces andá al mecánico a que te revise el corazón, porque algo anda muy mal en ese motor.


martes, 3 de diciembre de 2013

Comentario de "Bloodsports", el regreso de Suede - FM 89.90




En "Chill Out", por FM 89.90, presentamos el nuevo álbum de Suede, su retorno luego de 10 años, y por qué el destino fue tan injusto con una banda que podría haber sido la más grande del rock británico de los 90.

viernes, 29 de noviembre de 2013

Audios: Chill Out, por FM 89.90


Últimos audios completos de Chill Out, el programa de FM 89.90 que conduce Iván de Pineda y que me tiene como columnista de cultura pop (música, TV, cine, curiosidades, libros, banquinaje verbal en general). De lunes a viernes de 17 a 19. Click para bajar en formato .WMA.

Programa del 21/11
Programa del 26/11
Programa del 28/11

Cine: crítica de "La sospecha" (Prisoners) - FM ESPN




viernes, 22 de noviembre de 2013

El álbum blanco cumple 45 años

En un nuevo aniversario, repasamos diez cosas que quizás no sabías en relación con el mítico disco autotitulado de The Beatles.




1. Se lanzó el 22 de noviembre de 1968 en Gran Bretaña (tres días más tarde en Estados Unidos), fue el primer trabajo que The Bealtes editó bajo su propio sello, Apple Records, y su primer álbum en ver la luz en Inglaterra tras la muerte del manager Brian Epstein. Sí, lo sabemos, fanáticos: Magical Mystery Tour, de 1967, sería el que cumple con esta última condición, pero recordemos que, técnicamente, en las islas salió como un doble EP, solo en Norteamérica como LP.

2. También fue el primer LP doble de la banda, una decisión con la que no todos estaban de acuerdo, en especial su productor, George Martin. Ringo Starr dijo en The Beatles Anthology que los discos se deberían haber editado por separado. Por su parte, para George Harrison “había muchos egos en la banda y algunas canciones deberían haber sido lados B”.

3. El álbum casi fue bautizado A Doll’s House, título de la obra de Hen­rik Ibsen. Incluso el artista John Byrne (alias “Patrick”), había preparado una portada. Pero la banda decidió descartar el nombre cuando Family, un grupo de rock progresivo inglés, lanzó Music in a Doll's House apenas unos meses antes. Aquel arte ideado vio la luz recién en octubre de 1980, como tapa del compilado The Beatle’s Ballads. 

4. La portada blanca no fue, como muchos creen, idea de John Lennon y Yoko Ono. En realidad, fue una propuesta del artista Richard Hamilton, con la intención de hacer algo que contrastara por completo con la recargada y colorida tapa de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Según The White Album Project (verdadera biblia sobre el disco), poner en relieve el título The Beatles y numerar cada copia también se le ocurrió a Hamilton. Además, propuso que la cubierta tuviera marcas de café y hasta manchas de pulpa de manzana (en honor a Apple Records), lo cual fue descartado.
Así de simple como parece, fabricar el arte original fue un verdadero despelote. En Estados Unidos, el proceso de manufactura llegó a involucrar hasta cuatro plantas, en locaciones diferentes, entre inserts, vinilos, grabados, impresión serial y armado.

5. Las sesiones del disco inauguraron la experiencia de la banda con una consola de ocho pistas, cuando grabaron “Hey Jude” el 31 de julio de 1968 en los estudios Trident. Hasta entonces, usaban cuatro pistas y, cuando los arreglos musicales requerían más, copiaban los primeros tracks a una cinta virgen y, simultáneamente, mezclaban algunos a fin de liberar la cantidad que necesitaran para los overdubs adicionales. El grupo se enteró, más tarde, que Abbey Road tenía una 8 track nueva en su depósito y la hizo instalar, aun sin la debida autorización. Allí regrabaron “While My Guitar Gently Weeps”, en septiembre.
En el estudio, los Beatles ya habían colaborado con otros músicos, pero siempre provenientes del jazz, la música clásica o india. Para “While My Guitar Gently Weeps” fue la primera vez que tuvieron a una estrella reconocida que tocaba un instrumento ya presente en la banda: Eric Clapton. Por otra parte, George Martin se tomó una semana de vacaciones, tiempo en el que las sesiones del White Album quedaron bajo la supervisión de su asistente, Chris Thomas, de apenas 21 años.

6. Hay varias diferencias en las canciones entre la edición estéreo y mono del álbum. Por ejemplo, en la versión a dos parlantes, “Ob-La-Di Ob-La-Da” y “Why Don't We Do It In The Road” tienen intros con palmas y “Helter Skelter” tiene casi un minuto más, con el grito de Ringo al final “I got blisters on me fingers!”, harto después de grabar ¡18 tomas! de la canción. Sin embargo, el solo de guitarra de “Honey Pie” es más corto que en la edición mono. También hay pequeñas distinciones en “Back in the U.S.S.R.”, “Blackbird”, “While My Guitar Gently Weeps” y otras.

7. ¿Cómo detectar primeras ediciones originales? Las primeras copias del disco tienen un formato gatefold con apertura en la parte superior, no en los costados. El nombre The Beatles está en relieve (en las versiones posteriores está impreso en negro o gris) y cada copia lleva un número de serie. Además, incluye un póster con un collage de un lado y las letras del otro, más los cuatro icónicos retratos fotográficos de John, Paul, George y Ringo que tomó John Kelly. Las etiquetas de los vinilos tienen el tradicional logo del sello Apple, con la manzana verde entera en el primer disco y cortada al medio en el segundo. El número de catálogo de la primera edición inglesa es PMC o PCS 7067/8 (siglas que varían según se trate de la versión mono o estéreo). Para Estados Unidos, es SWBO 101. Más info, acá.

8. ¿Tenés un first release del LP en tu poder? WhiteAlbumRegistry.com se propuso registrar la mayor cantidad de primeras ediciones en el mundo. Solo hay que suscribirse al sitio y anotar tu copia con el número de serie único que tenga en la portada.

9. Del 22 de noviembre al 1 de diciembre se subastará en Gran Bretaña cien lotes de memorabilia de los Beatles. El ítem más preciado es una primera edición del White Album autografiada por John, Paul, George y Ringo. Ya hubo remates de primeras impresiones (uno de los poquísimos promos con el número A0000001 llegó a los 35.000 dólares), pero esta es la primera vez que está disponible al público un ejemplar rubricado por los fab four. Se espera que supere los 150.000 dólares. ¿Te sobran unos mangos y querés probar suerte? Podés hacer tu oferta acá

10. El “álbum blanco” es motivo de fanatismos varios, pero uno de los más curiosos es el del artista Rutherford Chang, que solo colecciona primeras ediciones del disco (sin importar su condición) y ya posee 893 copias. Incluso tiene una versión argentina, Nro. 025640, con el labrado “Los Beatles” y el listado de temas en español. A principios de este año, montó una exhibición titulada “WeBuy White Albums”, una suerte de disquería ficticia que solo tenía en sus bateas ejemplares del LP y que, en lugar de venderlos, compraba nuevos. Como detalle aún más loco, la muestra estaba musicalizada con el montaje del audio de cien de estos vinilos, un trip que suena así:




jueves, 21 de noviembre de 2013

Cine: críticas de "El quinto poder", "Diana" y "Los juegos del hambre: En llamas"







Comentario en Bebe va de 10, por FM ESPN, del film sobre Wikileaks y Julian Assange. En "Chill Out", por FM 89.90, hablamos de la biopic de Lady Di y la secuela de Los Juegos del Hambre.

martes, 19 de noviembre de 2013

Audios: Chill Out, por FM 89.90



Últimos audios completos de Chill Out, el programa de FM 89.90 que conduce Iván de Pineda y que me tiene como columnista de cultura pop (música, TV, cine, curiosidades, libros, banquinaje verbal en general). De lunes a viernes de 17 a 19. Click para bajar en formato .WMA.

Programa del 05/11
Programa del 07/11
Programa del 12/11
Programa del 19/11

Crítica de "Sequel to the Prequel", de Babyshambles

´

En el CoolRock de esta semana, por FM ESPN 107.9, la audiocrítica del nuevo y tercer disco de la banda liderada por Pete Doherty.

jueves, 14 de noviembre de 2013

Diez cosas que quizás no sabías sobre Thor

Repasamos historias, secretos y curiosidades del personaje de Marvel, ante el estreno de su segunda película.




1. Debut
Creado por Stan Lee e inspirado en el dios de la mitología nórdica, el personaje hizo su primera aparición en el número 83 de la revista Journey into Mistery en agosto de 1962. Aquel sería un gran mes de un gran año para la historia del cómic, ya que también marcó el nacimiento de Spider-Man.

2. Origen
El Thor del cómic es diferente al del cine. Odín, su padre, le borra la memoria, lo expulsa de Asgard y lo envía a la Tierra encarnado en el cuerpo de un estudiante de medicina inválido llamado Donald Blake. Durante unas vacaciones en Noruega, Blake encuentra en una cueva un bastón que resulta ser el poderoso martillo Mjolnir. Al golpearlo contra una roca, se transforma en Thor.

3. Frutero
Tanto en la mitología como en el cómic, Thor y todos los dioses de Asgard tienen fortaleza y larga vida gracias a que comen las manzanas doradas de Idunn, la diosa de la inmortalidad. Cada tanto, nuestro héroe tiene que pegarse unos viajes a casa a masticar la fruta para renovar sus poderes.

4. ¿Puede volar?
Más bien, se desplaza por el cielo “impulsado” (incluso a velocidad supersónica) cuando proyecta su martillo tomándolo desde la manija del mango. Además, puede levitar revoleándolo cual aspas de helicóptero. En el mito y en la historieta, a veces Thor suele volar en una carroza tirada por dos cabras místicas.

5. Cinturonga
Sí, Mjolnir es su principal arma, con la que es capaz volar y controlar el clima. Pero Thor tiene otros fierros: el Cinturón de la Fuerza (Megingjörð), que aumenta su poder físico, y los Guantes de Hierro (Járngreipr), con el que te puede moler los dientes a sopapos.

6. Elegidos
Todos nos reímos con esa escena de Los vengadores (2012) en la que Hulk no consigue levantar el martillo. La cuestión es que solo “los dignos de su poder” son capaces de empuñarlo. Bueno, en el cómic, hubo personajes que sí pudieron como, entre otros, su padre Odín, su abuelo Borr, Eric Masterson (quien, alguna vez, asumió la identidad de Thor y, luego, se convirtió en Thunderstrike) y ¡el Capitán América!

7. Calentón
Muchos todavía ven a Thor como un rubiecito patova al que le caben los tronos y las capas. Pero se trata de unos de los personajes más temperamentales y jodidos de Marvel que, a lo largo de su historia, se fue a las piñas con varios superhéroes, entre ellos Hulk, Capitán Marvel (Shazam), Superman y Iron Man, a quien enlató como sardina y le tiró una de las mejores líneas del cómic: “Dale órdenes y ultimátums a quienes deciden obedecer o son muy cobardes para pelear, no a mí. O aprendé la diferencia entre un Dios del Trueno y un mortal en un traje de metal”.

8. Cosa de Loki
El inglés Tom Hiddleston, que da vida en el cine a Loki, hermano adoptivo y némesis de Thor, en realidad audicionó para el papel del dios blondo y hasta se sometió a un duro entrenamiento para sacar lomo. Fue Kenneth Branagh, director del primer film, quien lo vio más acorde para el rol de supervillano. Bien por Branagh (y por todos nosotros).

9. De película
Para Thor: un mundo oscuro, se crearon 30 martillos de diferentes texturas y peso para usar en escenas específicas. También, se hicieron 25 armaduras y 30 capas a medida del personaje de Chris Hemsworth, y más de 1.500 trajes y 140 armas para el resto del elenco. Así despilfarran los dioses (de Hollywood).

10. Doble extra
Como ya es costumbre de las películas de Marvel, en Thor: un mundo oscuro hay una escena tras los primeros créditos. Pero permanezcan en sus butacas hasta el final de los títulos que ¡hay otra más!


Trailer de Thor: un mundo oscuro


Cine: críticas de "Thor: un mundo oscuro" y "El mayordomo"







En Chill Out, por FM 89.90, hablamos de la segunda entrega (y tercera participación en la pantalla grande) del dios del trueno, y del drama histórico inspirado en la vida de quien fue mayordomo de la Casa Blanca por más de 30 años.

jueves, 7 de noviembre de 2013

jueves, 31 de octubre de 2013

Cine: críticas de "Rush" y "Carrie"





En Bebe va de 10, por FM ESPN 107.9, comentamos la película de Ron Howard sobre la rivalidad entre los pilotos de F1 James Hunt y Niki Lauda. Por otra parte, en Negro Positivo, hablamos de la anémica nueva versión de Carrie.

miércoles, 30 de octubre de 2013

Cine: Diez remakes para aterrorizarse

Ante el estreno de la nueva y anémica Carrie, recordamos buenas reversiones para julepearse todo.



House of Wax (1953)
Sí, leíste bien. La película de 2005 (¡con Paris Hilton!) es, en realidad, una tercera versión, ya que la primera y verdadera remake es esta cinta con el descomunal Vincent Price embalsamando gente en cera y ¡en 3D O-R-I-G-I-N-A-L (no el flojito de ahora, el posta: el que derretía las córneas). ¿Cómo no la vamos a incluir?


La cosa (1982)
Aislamiento, miedo y paranoia en una base antártica cuando sus ocupantes comienzan a ser asimilados por un organismo extraterrestre. Muchísimo más que una reinterpretación del film de 1951, esta obra maestra de John Carpenter (de pie, por favor) podría encabezar cualquier listado tanto de mejores películas de terror y como de ciencia ficción.
Lamentablemente, en 2011 fue atacada por el moderno parásito de las precuelas, pero no consiguió (ni logrará) imitarla.


La mosca (1986)
Obra que prueba que una remake debe ser mucho más que simplemente rehacer y actualizar una obra. David Cronenberg, que ha hecho del terror una expresión carnal, presenta (a su manera tan personalmente grotesca y repulsiva) la degeneración y metamorfosis psíquica y física de un científico tras un experimento que sale horriblemente mal. Tené miedo, tené mucho miedo.



La llamada (2002)
Hay varias incómodas versiones hollywoodenses de películas de terror orientales, pero Gore Verbinski (Piratas del Caribe, Rango) se calza con soltura los zapatos del gran Hideo Nakata para una adaptación respetuosa y estilizada de su escalofriante Ringu (1998). El resultado nos recordó que los maleficios, además de muñecos, libros y amuletos, también vienen en VHS.


El amanecer de los muertos (2004) 
En 1978, George Romero presentó la segunda cinta en su saga zombie y logró su más pulida sátira a la sociedad de consumo a través la historia de un grupo de personas que se refugiaba en un shopping de una embestida de muertos vivientes. Veinticinco años después, Zack Snyder (300, Watchmen) hizo su debut con esta impactante nueva interpretación que superó cualquier expectativa e hizo redescubrir la temática zombie a toda una nueva generación.



Despertar del diablo (2006)
Todo lo que puede pasar cuando un demente como Wes Craven (de pie, otra vez) le da carta blanca a un trastornado como Alexandre Aja (Alta tensión) para rehacer su clásico mutante de 1977, The Hills Have Eyes.



Halloween (2007)
Te guste o no, le debemos dos cosas a Rob Zombie: primero, este enorme pedacito de los90. Segundo, haber restablecido la reputación de Michael Myers como el gran asesino de la pantalla grande. Gracias por tanto, Rob.



Déjame entrar (2010)
Chloë Grace Moretz, esa pequeña que apareció en Terror en Amityville (2005) y se desarrolló en el género hasta convertirse en la nueva Carrie, es la pequeña y letal vampira en esta gran lectura del sangriento romance infantil sueco Let the Right One In (2008).



La epidemia (2010)
En 1973, George Romero apuntó con The Crazies contra el complejo militar estadounidense en la historia de los habitantes de un pequeño pueblo que se convierten en depravados asesinos tras el escape de un arma biológica. El resultado fue pobrísimo en presupuesto y calidad, pero 37 años más tarde, pudo rescribir y producir esta nueva versión dirigida por Breck Eisner, muy superior a la original.


Posesión infernal (2013)
En 1981, Sam Raimi iniciaba su pasaje hacia el infernal éxito con Evil Dead (conocida como Diabólico en nuestro país): la historia de cinco amigos que, en una cabaña en medio de un bosque (dónde, si no) encuentran un antiguo libro que les permitirá invocar al demonio.
Más de tres décadas después, para su remake, le pasa la antorcha a otro debutante, el uruguayo Federico Álvarez, quien saltó del Río de la Plata al corazón de Hollywood sin escalas gracias a un corto sobre una invasión de robots a Montevideo que fue sensación viral en Internet. La apuesta rindió en una obra contundente, más oscura, perversa y violenta que su predecesora.




martes, 29 de octubre de 2013

Audios: Chill Out, por FM 89.90




Últimos audios completos de Chill Out, el programa de FM 89.90 que conduce Iván de Pineda y que me tiene como columnista de cultura pop (música, TV, cine, curiosidades, libros, banquinaje verbal en general). De lunes a viernes de 17 a 19. Click para bajar en formato .WMA.

Programa del 10/10
Programa del 15/10
Programa del 17/10
Programa del 24/10
Programa del 29/10

Crítica de "Mechanical Bull", de Kings of Leon - FM ESPN




La audiocrítica del CoolRock dedicada al nuevo álbum del cuarteto de Nashville.

jueves, 24 de octubre de 2013

miércoles, 23 de octubre de 2013

Taringa! lanzó su sello ¿discográfico?

El portal presentó 432 Hz, que editará álbumes reemplazando el soporte CD por objetos físicos de diseño exclusivo desde los que se podrá descargar la música en distintos formatos digitales.



Taringa! Música lanzó formalmente su propio sello discográfico 432 Hz, aunque, claro, el término “discográfico” está sujeto a la misma y constante redefinición bajo la que se encuentra toda esa industria hoy.

En realidad, 432 Hz dejará de lado el viejo y ¿querido? CD y editará álbumes bajo la forma de diversos objetos físicos, denominados “Hertzios”, a través de los cuales se podrá descargar (o escuchar vía streaming) la música, tanto en formatos WAV como  MP3.

Así, un “Hertzio” puede tomar la forma de cualquier elemento que el artista imagine como soporte: desde un llavero o una remera, hasta un libro o una artesanía. Ese elemento representa la obra, a la cual se puede acceder vía internet mediante un link y un código.

El primer lanzamiento del flamante sello es La naturaleza de las cosas, segundo trabajo de Superchería,  un álbum digital al que se accede comprando la estatuilla en miniatura de un búho, logo y mascota del cuarteto.

El disco-objeto del grupo fue diseñado por el artista Ignacio Brizzio. Hay solo mil unidades y viene en seis motivos coleccionables. Se presenta en una caja, con el arte y las letras, e incluye una clave para bajar las canciones y un código QR que, al ser escaneado desde un smartphone o una tableta, da acceso a videoclips, fotos, detalles de grabación o cualquier tipo de contenido que la banda decida ir actualizando.

Los “Hertzios” se comercializarán desde el sitio de 432 Hz, donde cada artista tendrá su perfilonline. El sello propone que los fans puedan convertirse en socios de la banda y formar parte de la distribución, ya que se ofrecerán paquetes de diez objetos musicales para la reventa, por ejemplo, en lugares del interior del país o el extranjero.

“Se nos ocurrió reemplazar el CD por otro elemento que ofrezca las canciones online, pero que le dé al fan un objeto de colección con un valor simbólico adicional”, explica Tatu Estela, director del sello e ingeniero musical para artistas como Bajofondo, Divididos y Jorge Drexler, entre otros. Para Estela, la iniciativa apunta a que la industria comience a considerar el link de Internet como obra. “Hay entidades que regulan la música en la Argentina que dicen que, si algo no está en un CD, no es una obra. Ese concepto errado y ya no se pude sostener más”, afirma.

Taringa! Música nació a principios de 2012 como parte de las diversas acciones del polémico portal a cargo de Matías y Hernán Botbol para regularizar su situación y reconvertirse en un sitio legal. El servicio, que hoy reúne a más de 2.000 bandas, continuará funcionado como plataforma de streaming. Mientras que 432 Hz se propone como un “sello discográfico colaborativo”, donde los esfuerzos se repartan equitativamente entre artista y empresa. “Todo el trabajo, desde la grabación hasta la edición, se compartió —explica Pira Bastourre, vocalista de Superchería—. Es una apuesta, como lo es todo hoy en la industria; de un lado y del otro. Nosotros no somos una banda conocida y ellos son un sello nuevo. Unimos fuerzas, confiamos y laburamos de manera horizontal”.


Según Estela, el contrato con este primer fichaje es “bastante informal. Lo hablé con seis abogados y lo avaló la Unión de Músicos Independientes. Les pedí que lo revisen, que lo critiquen, que lo hagan bosta, porque necesito saber si creen que estoy explotando a alguien, ya que no quiero ser como la industria que me manejó a mí mucho tiempo. Charlamos y encontramos algo win-win: si yo me rompo el orto y la banda también, ambos ganamos”.

¿Pero este es un acuerdo puntual o hay un marco base para todos los artistas que sumen?
Armamos un molde que tenemos que escalar. Hay que tratar de que funcione, vender, recuperar la plata de la grabación, de los objetos y, así, editar nuevas bandas. Cuanto más volumen tengamos, menos margen de error habrá. Pero tengo que elegir muy bien, porque si apuesto por un grupo que se separa a los tres meses, perdí toda la plata.

¿Y con respecto a los ingresos por la venta de los “Hertzios”?
Está todo divido y prorrateado por tiempos. En la medida que se vaya recuperando la inversión, cambian los porcentajes entre nosotros. Hay instancias. Yo hice la apuesta de poner tanta guita por adelantado. Si la cosa funciona, se equipara la balanza para todos.
Esto puede fallar y acá hay sinceridad pura: con Superchería trabajo desde hace años. No los puedo cagar. Por ejemplo, hoy, toda la industria clásica dice que, si no acordás con una banda hacerles los recitales, no entendés nada del negocio. Porque los shows son lo que mueven los discos, SADAIC y todo. Pero hicimos un contrato de no tomarles los conciertos de acá a un año. Si la apuesta es grande y funciona, en un año volvemos a hablar, porque yo estoy tomando mi riesgo invirtiendo, y si en ese tiempo te ayudé a que estés tocando para 2.000 personas, entonces dejame meterme.
Hicimos un contrato de cinco páginas nada más. Si ves los acuerdos de las majors o si querés subirte a iTunes, son textos de megas. ¡Es ridículo! Yo quiero algo que entendamos todos.

¿La banda tiene libertad de difundir y comercializar sus temas en otras plataformas, como iTunes o Spotify?
Sí, porque negárselo sería volver al modelo anterior. Lo primero que les dije es abrirse y que la música esté en la mayor cantidad de lugares, porque es imposible que eso me quite un rédito y no terminemos creciendo juntos.