martes, 29 de enero de 2013

Diez grandes momentos musicales de Quentin Tarantino

Ante el estreno de Django sin cadenas, repasamos una de las especialidades del director: unir música e imagen en escenas inolvidables.


Foto: Levon Biss


10. The 5.6.7.8’s - “Woo Hoo”
Kill Bill, la venganza: Volumen I (2003)

Cuenta la leyenda que Tarantino salió a dar un paseo por Tokio un par de horas antes de ir al aeropuerto y entró a un negocio de ropa usada donde sonaba de fondo este trío de japonesitas amantes del rockabilly y la música surf norteamericana. Al director le gustó tanto que le insistió al empleado de la tienda de que le venda su CD y le ofreció el doble del precio usual. Así, las chicas terminaron actuando en la película y musicalizando con este cover de The Rock-A-Teens un plano secuencia que te hace volar.



9. David Bowie – “Cat People (Putting Out Fire)”
Bastardos sin gloria (2009)

Un gran ejemplo de la habilidad de Tarantino para reutilizar viejas canciones y escribir escenas a su alrededor. El ex duque blanco y Giorgio Moroder compusieron este tema para una pobre remake “erótica” de Cat People (o La marca de la pantera, como aquí se la conoció en 1982). Pero el director de Tennessee la recuperó y le otorgó un nuevo significado como canción de batalla para Shoshanna (Mélanie Laurent). Encendedora.





8. Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - “Hold Tight!”
A prueba de muerte (2007)

Cuatro foxy ladies en curso directo a la parrilla de Kurt Russell. De fondo, los ingleses DDDBMT le ponen ritmo al reguero de vidrios, sangre y piernas. Impacto sensual y profundo.




7. Nancy Sinatra – “Bang Bang (My Baby Shot Me Down)”
Kill Bill, la venganza: Volumen I (2003)

Tarantino tenía en mente esta secuencia para Pulp Fiction y pensaba usar la canción original, a cargo de Cher. Casi diez años después, se transformó en otra de sus icónicas aperturas, pero con el melancólico cover de la hija de Frank.




6. The Coasters - “Down In Mexico”
A prueba de muerte (2007)

El director recupera, cincuenta años después, el primer éxito del grupo de R&B para el lap dance más caliente de la pantalla grande. Dato para fanáticos: la canción suena del vinilo en la rocola personal de Tarantino, que se ve al fondo de la escena.



5. Urge Overkill – “Girl, You’ll Be A Woman Soon”
Tiempos violentos (1994)

Otro de los hallazgos del director durante uno de sus viajes, en este caso a Ámsterdam, donde en una disquería se topó con este cover de Neil Diamond. El que fuera el único hit del grupo de Chicago quedó para siempre asociado a uno de los momentos más trágicos en el cine de Tarantino.



4. Dick Dale & His Del-Tones - “Misirlou”
Tiempos violentos (1994)

Pumkin y Honey Bunny declaran su amor antes de robar un restaurante. La imagen se congela y se dispara la canción más tarantinesca de su filmografía. Ni los BlackEyed Peas pudieron arruinar este momento



3. Stealers Wheel – “Stuck in the Middle with You”
Perros de la calle (1992)

Brutal ejemplo de cómo Tarantino usa la música como contrapunto e intertexto de lo que sucede en la pantalla; en este caso, con Mr. Blonde a punto de torturar a un policía al ritmo del folk rock escocés. Desde entonces, esta canción se baila con una oreja en la mano.


2. Chuck Berry – “You Never Can Tell”
Tiempos violentos (1994)

Otro de los sellos de Tarantino: los “homenajes” a mano armada, en este caso a Jean-LucGodard y Federico Fellini para crear una escena que dejó marcas en la pista de la cultura pop universal.



1. The George Baker Selection - “Little Green Bag”
Perros de la calle (1992)

¿Podemos considerarla, de una vez por todas, como la mejor apertura de títulos de la historia del cine?


Leer en Rolling Stone >>

Cine: críticas de "La noche más oscura" y "Django sin cadenas"


En ESPN Beach comentamos el polémico film de Kathryn Bigelow y la nueva joya de Quentin Tarantino.

jueves, 24 de enero de 2013

Críticas de "Hansel y Gretel" y "El último desafío"






En ESPN Beach, comentamos el film que reimagina el clásico compilado por los hermanos Grimm y el regreso de Arnold Schwarzenegger a un protagónico después de diez años.


jueves, 10 de enero de 2013

miércoles, 9 de enero de 2013

Cosecha 2013: diez discos que se vienen


El año pasado estuvo cargadísimo y este promete más con los nuevos trabajos de Alice in Chains, Black Sabbath, Lady Gaga, Depeche Mode y más.


 Alice in Chains
Lanzamiento: otoño
Ya regresó Soundgarden, habrá nuevo álbum de Pearl Jam (mirá más abajo), se rumorea una edición 20 aniversario de In Utero de Nirvana, y Alice in Chains va por la revancha. El nuevo álbum será el sucesor de Black Gives Way To Blue (2009), primer trabajo de la banda tras la muerte del vocalista Layne Staley, en 2002, y luego de 14 años de silencio. "Es como tener que tener que enfrentarse con la maldición del segundo disco otra vez en nuestra carrera", le dijo Jerry Cantrell a Guitar World. La canción "Hollow" ya suena como primer adelanto de que los 90 volvieron para quedarse.

Black Sabbath
Lanzamiento: sin fecha confirmada
Los padres de todo lo pesado y oscuro estarán de vuelta este año con el primer disco con Ozzy Osbourne desde Never Say Die!, de 1978. Nos vamos a quedar con la ganas de una reunión del cuartero original. El baterista Bill Ward se bajó de la gira y las grabaciones por diferencias contractuales y la banda no sólo lo reemplazó por Tommy Clufetos, sino que hasta lo borró de las fotos históricas del grupo que pueden verse en su website. El Photoshop será lo único moderno, porque el productor Rick Rubin quiere un sonido old school. "Nos sentó, puso el primer disco y dijo 'escuchen, imaginen que es 1969 y acaban de hacer eso: ¿qué harían después?'", explicó el bajista Geezer Butler, que regresa a la formación tras casi 20 años. Matemos la espera con "Paranoid", en vivo en Birmingham en mayo de 2012.

David Bowie
Lanzamiento: marzo
Más allá de algunas contribuciones a Kashmir, TV On The Radio y Scarlett Johansson, hacía diez años que no se escuchaba nada del duque blanco. Pero el 8 de enero, el día de su cumpleaños 66, fue él el que gritó "¡sorpresa!". En un par de meses, llegará The Next Day,con 14 temas y la producción del eterno Toni Visconti, quien moldeó el sonido de clásicos como Space Oddity, Young Americans y la célebre "trilogía de Berlín". "Where Are We Now?", primer single del álbum, es una balada que continúa la línea reflexiva y autorreferencial deHeathen Reality (también producidos por Visconti), con varias alusiones líricas y estéticas a la historia de un artista que está vivito y coleando. ¡En tu cara, Flaming Lips!

Daft Punk
Lanzamiento: marzo / otoño
Ponete el casco porque los franceses vuelven con su primer álbum de estudio en ocho años (sin contar el soundtrack para TRON: El legado) y contará con las colaboraciones de Paul Williams, Chilly Gonzales, Panda Bear, Nathan East, Giorgio Moroder y Nile Rodgers. Los rumores dicen que llevará por título No End. Nosotros proponemos Disco, baby, disco!
Depeche Mode
Lanzamiento: marzo
Según el vocalista Dave Gahan, el sucesor del espacial Sounds of the Universe (2009) "se siente muy orgánico y directo, con mucha alma", mientras que Martin Gore lo describió con "una onda similar a Violator Songs Of Faith and Devotion" (los trabajos más celebrados por los fans). Las descripciones no parecen a tono del único anticipo que tenemos hasta el momento: una herrumbrosa canción sin título que musicaliza un video de la banda durante sus sesiones de grabación.

Lady Gaga
Lanzamiento: sin fecha confirmada
A lo largo de la gira que la trajo a nuestro país, la Germanotta escribió unas 50 canciones para ARTPOP, el tercer disco que ya lleva en su piel. Según propias declaraciones, el álbum podría salir en dos volúmenes, que dividirán el material más comercial del experimental, y se lanzará también como una app interactiva con contenido digital extra para tabletas y móviles (al estilo de Biophilia, de Björk). "ARTPOP será una experiencia multimedia que vendrá en formas diferentes", dijo. Casi como ella misma.
My Bloody Valentine
Lanzamiento: este año (en serio, no es joda. Posta)
Todo llega. Brian Wilson completó Smile, Axl Rose terminó su Chinese Democracy y, finalmente, después de 22 años, Kevin Shields nos dará el sucesor de Loveless, aquella joya definitiva del indie británico. Casi como regalito de navidad, el 24 de diciembre el grupo confirmó en su perfil de Facebook que había terminado de masterizar el que, sin dudas, es uno de trabajos más esperados de la historia reciente del rock. El vocalista dijo que el nuevo álbum "realmente nos libera y, verdaderamente, es 100% necesario".
Nick Cave & The Bad Seeds
Lanzamiento: 18 de febrero
El sucesor de Dig, Lazarus, Dig!!! (2008) se llamará Push The Sky Away y tendrá canciones que el australiano compuso como resultado de "googlear curiosidades y estar encantado por entradas exóticas de la Wikipedia". Ya se puede disfrutar el primer single, "We No Who U R", con un sobrecogedor video del director de origen argentino Gaspar Noé (en concepto, bastaaante parecido al clip de "Capricho", de Babasónicos, ejem, ejem).

Pearl Jam
Lanzamiento: hacia fin de año
El décimo trabajo del quinteto avanza despacito. "Estamos a mitad de camino. Tenemos un montón de ideas y es cuestión de que nos hagamos del tiempo suficiente para terminarlo", dijo el bajista Jeff Ament en septiembre a FUSE. Es que, además de los conciertos propios, varios de los integrantes están atendiendo proyectos musicales paralelos. El violero Mike McCready confirmó que estaban trabajando en alrededor de 15 canciones, que incluyen dos o tres provenientes de las sesiones de Backspacer (2009), temas experimentales, "rock and roll hecho y derecho" y "hermosas baladas". Esperemos que alguna suene el próximo 3 de abril en Costanera Sur.
Queens of the Stone Age
Lanzamiento: primer semestre
Cada dato que surge sobre la sexta placa de los liderados por Josh Homme pone la expectativa al límite. A la noticia del regreso de Dave Grohl a la batería, y la participación de Nick Oliveri en un tema, se sumaron las colaboraciones de Trent Reznor y ¡Jake Shears! El vocalista de Scissors Sisters, fanático de los californianos, reveló vía Twitter su participación(y se ve que la pasó muy bien en estudio). No sabemos qué puede salir de semejante rejunta, pero, según una carta manuscrita que la banda entregó a la revista MOJO, "el disco suena como si estuvieras corriendo en un sueño dentro de un cabaret de codeína". No esperábamos ni más ni menos (?).

viernes, 4 de enero de 2013

Cine, TV y cultura: Argentina, paraíso criminal


De refugio de nazis a tierra de segundas oportunidades. ¿Por qué nuestro país es la
fantasía escapista de los malos en la TV y el cine?

Publicado en revista BRANDO, enero de 2013. Click para verla completa.


miércoles, 2 de enero de 2013

Cine y videojuegos: insert coin

Celebramos el estreno de Ralph: el demoledor recorriendo cinco momentos gamer de la pantalla grande. Adaptaciones, citas, personajes, curiosidades… Press start!



1. ¡Soylent verde es gente… y fichines!
La gran película apocalíptica de 1973, protagonizada por Charlton Heston, incluye el debut de un video game en el cine: la aparición de Computer Space, considerada la primera maquina arcade de la historia y predecesora de las consolas Magnavox y Atari. El juego ya era un verdadero detalle “retro” para la superpoblada Nueva York de 2022 en la que se desarrolla la historia. Esperemos que sea el único detalle de anticipación del film y que no estemos a solo nueve años de empezar a comer jubilados hechos galletita.



2. El verdadero demoledor
Si hay un villano en el Sacoa de la industria fílmica, ese es Uwe Boll, director alemán especializado en llevar videojuegos a la pantalla grande, entre ellos House of the Dead, Alone in the Dark, BloodRayne, In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale, Postal, Far Cry y la lista sigue. Todas sus películas, además de un estrepitoso fracaso comercial, son una verdadera fatality para las córneas, y muchos lo consideran el peor director de la historia después de Ed Wood. Pero Boll hizo carrera y millones gracias a controvertidos métodos de financiación (como polémicos beneficios impositivos de la legislación germana) y a su pintoresca personalidad: llegó a desafiar a peleas de box a críticos y directores, y hasta anunció su retiro si una encuesta online llegaba al millón de peticiones (cosa que, por desgracia para el cine y por suerte para el show business, no ocurrió). Igual, si hay algo que demuestra que Boll tiene talento, es haber convencido a Ben Kingsley de trabajar en uno de sus filmes.



3. Juegos de guerra
Matthew Broderick pone al mundo al borde de una guerra termonuclear tras infiltrarse sin querer en WOPR, un sistema militar que se toma muy en serio una propuesta: “Shall we play a game?”. Gran momento gamer de los 80 y, posiblemente, la línea más escalofriante pronunciada por una computadora en la historia del cine después del “I'm sorry, Dave. I'm afraid I can't do that” de HAL 9000, en 2001, una odisea del espacio.
Por suerte, ahora podemos jugar con WOPR con resultados menos peligrosos desde celulares iPhone  y Android


4. Select (Worst) Player
Las películas basadas en video games no solo nos han dado los peores guiones, actuaciones y efectos especiales, sino una lista de horribles caracterizaciones de famosos personajes del entretenimiento digital. ¿Empezamos? Bob Hoskins y Dennis Hopper (dos candidatos al Oscar, muchachos) como Mario y King Koopa en Super Mario Bros. (1993); Jean-Claude Van Damme como un Guile con acento belga y ¡Kylie Minogue! haciendo de Cammy en Street Fighter (1994); Christian Slater como Edward Carnby en Alone in the Dark (2005); Mark Wahlberg dando piel a Max Payne (2008) y nuestro favorito: Christopher Lambert en Mortal Kombat (1995), más cerca de un joven Johnny Allon elfo que del poderoso Raiden.


5. Los siete niveles del amor
Basada, en realidad, en una serie de novelas gráficas, Scott Pilgrim vs. The World (2010) es la película que mejor aprovecha el imaginario y lenguaje de los videojuegos y los pone al servicio de una historia de amor: la de un fantasioso muchacho (Michael Cera) que, para ganarse a la chica de sus sueños (Mary Elizabeth Winstead), debe vencer a sus “siete malvados ex”. Batallas en 8 bits, scores, armas secretas, bonus lives y todo el geek power para pixelarte el corazón.



Secret level

6. Homenaje en primera persona
En los 90, Doom fue una revolución (y el secreto mejor guardado en la PC de la oficina, ¿no?): uno de los primeros y más populares first person shooter, esos juegos que nos ponen en perspectiva de volarle la cabeza a cualquier cosa que se mueva. Cuando se hizo película, en 2005, fueron los fans los que se quisieron pegar un tiro. Pero hay que darle un crédito extra: su afán de querer replicar en pantalla grande la experiencia gamer y darnos la mejor escena tributo a la acción en primera persona.