jueves, 27 de septiembre de 2012

Cine: críticas de "Días de vinilo" y "La casa de al lado"

Comentario de dos estrenos destacados de esta semana: "Días de vinilo", la comedia argentina con Gastón Pauls y Fernán Mirás, entre otros, y el nuevo film de terror protagonizado por Elisabeth Shue y Jennifer Lawrence.

martes, 25 de septiembre de 2012

CoolRock: Morten Harket, la voz de A-ha, en la Argentina

El CoolRock (mi micro de cultura rock en FM ESPN 107.9) de esta semana se la dedicamos a la visita de Morten Harket, ex vocalista de A-ha, que el viernes 28 estará dando un concierto solista en el teatro Gran Rex, para presentar su nuevo disco: "Out of my hands".

domingo, 23 de septiembre de 2012

sábado, 22 de septiembre de 2012

Diez peliculones que cumplieron 30 años

Clásicos como Rambo, Tootsie y E.T. llegaron a las tres décadas. A continuación, una decena de razones para pensar si 1982 no fue el último gran año del cine. 



E.T., el extraterreste
Iba a ser una película de terror (incluso el famoso dedo luminoso estaba pensado como un arma). Pero Steven Spielberg la convirtió en la primera fábula sci-fi para toda la familia y el film terminó por definir una década. El 9 de octubre se lanza en Blu-ray la edición del 30 aniversario, en HD y sonido 7.1, donde el director corrige la macana que se mandó diez años atrás, cuando profanó el original al modificar escenas digitalmente (como reemplazar los animatronics o “borrar” las armas de los policías).



Tootsie 
Hacia fin de 1970, Dustin Hoffman se constituía como uno de los grandes actores “serios” de su generación. Rompió taquilla junto a Robert Redford en Todos los hombres del presidente (sobre la investigación periodística que llevó al caso Watergate), nos hizo transpirar como nunca en la incansable La maratón de la muerte (junto a la leyenda Laurence Olivier) y conmovió a la Academia lo suficiente como para darle un Oscar por Kramer vs. Kramer. Sin embargo, su nombre siempre quedará asociado a la travesti más exitosa de la historia del cine. Tootsie tiene todo lo que una comedia dramática debe tener: risas del absurdo, lágrimas de ternura y agudeza en el comentario social (que, treinta años después, lamentablemente, sigue vigente).



Blade Runner
Con Alien, Ridley Scott llevó el terror al espacio. Con Blade Runner, trajo la ciencia ficción al policial negro. El director tomó la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de Philip K. Dick, e hizo su ensayo sobre el futuro: el de un mundo contaminado, superpoblado, sintético y decadente, en el que la idea de ser humano parece tan confusa como la distinción entre hombre y androide. El resultado es, quizás, el primer art-film de la historia del sci-fi.



Rocky III 
Muchos prefieren la primera o la cuarta entrega (sí, la de Iván Drago), pero este es el film que definió el perfil, tono e imaginario de la saga del “semental italiano”. Por varias razones: Es la obra con la que Sylvester Stallone se recibe de director, con un resultado mucho más elaborado y efectivo a sus anteriores trabajos. Tiene personajes icónicos como James “Clubber” Lang (con Mr. T pre-Mario Baracus). Encuentra un equilibrio justo entre el drama novelesco y la diversión pochoclera (desde la muerte de Mickey hasta la pelea con Hulk “Thunderlips” Hogan). Y, sobre todo, porque nos dio “Eye Of The Tiger”, la canción oficial del boxeo.



Gandhi 
Ben Kingsley. Punto.



Porky’s 
Las desventuras de un grupete de estudiantes por perder la virginidad en los años 50 terminó como la cinta base de todas las películas sobre adolescentes calenturientos de las últimas tres décadas. Pero, sobre todo, es uno de los primeros documentos de la pulsión de Kim Cattrall por los jovencitos (mucho antes de Sex & The City).



TRON 
La película que habló de hackers, virus y realidad virtual mientras el mundo aprendía a usar el DOS. Esta historia sobre un programador abducido a un universo de software es una joya técnica, pionera en el uso de animación digital, pero que también emplea procesos artesanales como el rotoscopiado y coloreado manual de escenas. Así, la obra que, en su momento, parecía un bug en la memoria de Disney terminó como la versión 1.0 de Matrix (1999) y otras aventuras hi-tech.



Rambo 
Más allá de algunos diálogos que hoy resuenan en nuestra memoria como chistes gracias al maldito doblaje (“¡quiero conducir mi Chevy, y yo no podía encontrar sus malditas piernas!”), esta no solo es una gran interpretación de Sylvester Stallone, sino una de las primeras, pocas y más interesantes películas sobre la posguerra de Vietman. Después, “el sistema” se encargaría de convertir este personaje frágil y desplazado en una nefasta franquicia de acción. Así, John Rambo fue una doble víctima: del gobierno y de Hollywood.



La cosa 
Una base científica en la Antártida se transforma en una verdadera prisión de miedo y paranoia cuando sus ocupantes comienzan a ser asimilados por un parásito extraterrestre capaz imitar cualquier organismo. Esta adaptación de un cuento de los años 30 (y un film de 1951) consolidó a John Carpenter como uno de los nuevos maestros del horror, luego de éxitos como Halloween (1978) y La niebla (1980).



Reto al destino
Terminemos este hermoso año cinematográfico como realmente se merece: con Richard Gere vestido de heladero paralizando una fábrica al robarse a Debra Winger en brazos al son de “Up Where We Belong”. Si querés llorar, llorá (pero cuidado con el teclado).



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lunes, 17 de septiembre de 2012

Entrevista con Morten Harket: un espíritu pop

Antes de su show en el Teatro Gran Rex, el ex vocalista de A-ha habla de la separación de la banda, su nuevo disco solista y sus búsquedas existenciales. “Todos nosotros somos un misterio que no llegamos a comprender”, dice.



Después de 25 años, una carrera impecable y decenas de hits, Morten Harket renunció a su principal responsabilidad: ser la inconfundible voz de A-ha. El trío que plantó la bandera noruega en el pop anglo y se metió en el libro Guinesss (récord de 198.000 en el Maracaná) también se podría llevar un premio a la separación más diplomática de la historia de la música. En 2009, anunciaron que Foot of the Mountain sería su último trabajo (sí, porque ya sentían que todo era un trabajo) y se embarcaron en una emotiva gira mundial que, incluso, los trajo a la Argentina en marzo de 2010 para despedirse de sus fans. Sin dolor, sin reproches, sin peleas mediáticas berretas. Esto ha sido todo, muchas gracias. Adiós.
Y ahora, Morten Harket continúa quebrando los corazones más duros con su inigualable falsete, pero como autónomo. Aunque, bueno: tampoco está tan solo. Para Out of My Hands, su quinto disco solista, contó con la colaboración de varios artistas, desde su compatriota Espen Lind (autor de hits para Jessica Simpson, Leona Lewis y Beyoncé aunque algunos lo recordarán por esto o esto otro) hasta las megaestrellas Pet Shop Boys. El resultado es su trabajo más pop y "comercial" hasta el momento, que presentará el 28 de septiembre en el Teatro Gran Rex. Pero antes, advierte: "No estoy girando en representación de A-ha, sino como yo mismo. El show va ser una linda combinación de mis trabajos solistas con algunas canciones de A-ha que voy a incluir porque eso también es parte de quien soy".
Tus anteriores trabajos solistas daban la sensación de que buscabas distanciarte del sonido de A-ha. Pero Out of my Hands tiene esa veta synth-pop de la banda. ¿Te sentías limitado por A-ha como para desarrollar por tu cuenta esa faceta más popera? 
Soy la misma persona, sea cuando estoy en A-ha, haciendo cosas con otra gente o solo... En este álbum las similitudes están en la naturaleza electrónica de la producción, que fue algo muy distintivo de A-ha en Foot of the Mountain. Cuando hago música, naturalmente gravito hacia distintos lados y tiene que ver con los diferentes momentos personales. No creo que el próximo disco vaya a reflejar lo mismo que este; va a ser otra cosa.
Pet Shop Boys compuso un tema para vos. ¿Cómo surgió esa relación? 
Se enteraron de que estaba haciendo un álbum y se acercaron, a través de un editor en común, un intermediario... No estoy seguro de cómo pasó. Fue un honor y un privilegio grabar una de sus canciones.
Out of My Hands deja la sensación de que el final de A-ha fue tanto un alivio como una inspiración para vos. ¿Puede ser? 
Creo que fue un empujón, en cierto sentido. Gané bastante impulso en los últimos dos años de la banda y toda esa energía hizo que yo entrara en un modo particular de trabajo. Estaba motivado, quería hacer un disco y el resultado fue Out Of My Hands. Me siento bien con respecto al álbum. Apuntamos a lo más lejos que pudiéramos llegar, a lo mejor posible. Pero nunca sabés cómo van a salir las cosas. Quiero decir: no controlás todos y cada uno de los elementos. Dejás el control. Dejás que las cosas pasen. Lo hacés con fe, y así debe ser...
La banda estaba en un muy buen momento artístico cuando se separaron. ¿Qué cosas pesaron más y determinaron que no querían continuar juntos? 
Bueno, nos dimos cuenta de que habíamos hecho una buena carrera y que, si íbamos a buscar un momento para bajarnos, no había otro mejor que ese: tras un buen álbum y una linda gira. Estuvimos juntos por 25 años y sentí inmediatamente que era la decisión correcta.
La separación también se dio en un momento en el que la obra de la banda comenzaba a ser redescubierta, comprendida y hasta reivindicada. Artistas como Coldplay, Keane, Tori Amos, Adam Clayton elogiaban y citaban a A-ha como influencias... 
Siempre tuvimos nuestra identidad y sentimos orgullo por quienes somos. Hubo mucho ruido en los medios y toda la basura, los cuentos de hadas que vienen junto con el pop, en relación a nuestra imagen, a la superficialidad. Pero fue algo de los medios en particular, no de la gente. Nosotros siempre nos enfocamos en el contenido de lo que hacemos y no en el aspecto superficial. No hay nada de malo en la vanidad, es simplemente cómo la usás. Porque la vanidad en sí misma es parte de todos, parte de tu autoconocimiento, de la conciencia de quién sos. Hay que recordar que lo que están haciendo Coldplay, Tori Amos y lo que hacemos todos los artistas es descubrir quiénes somos. Es una larga travesía en busca de uno mismo.
A los 52 años, tu imagen y tu voz se conservan impecables. ¿Cuál es el secreto? 
Ninguno. Simplemente, soy yo. No le hago nada especial a la voz, no tomo ningún té mágico... Todos nosotros somos un misterio y no llegamos a comprenderlo plenamente. De eso se trata el arte: buscar quiénes somos.

Notas relacionadas






viernes, 14 de septiembre de 2012

martes, 11 de septiembre de 2012

CoolRock: comentario de "Oceania", lo nuevo de The Smashing Pumpkins

El CoolRock (mi micro de cultura rock en FM ESPN 107.9) de esta semana se la dedicamos a repasar "Oceania", el nuevo trabajo de la banda liderada por Billy Corgan.

Música - tres visitas internacionales que no habría que perderse: Zoé, Covenant, Blonde Redhead

Llegan al país en septiembre tres bandas MUY BUENAS pero poco conocidas que habría que ir ver. En FM ESPN 107.9 presentamos a los mexicanos Zoé, los suecos Covenant y los neoyorquinos Blonde Redhead.

domingo, 9 de septiembre de 2012

Entrevista a Henry Padovani: El policía secreto

Fue el guitarrista fundador de The Police, pero egos, intereses y diferencias musicales lo expulsaron del grupo que, luego, conquistaría el mundo. Pero Henry Padovani no se amargó ni se resintió: la vida después del trío de este punk francés terminó siendo igual de intensa. Tocó con Jayne County, la primera estrella de rock transgénero, se convirtió en vicepresidente de IRS Records, donde “descubrió” a REM y fue manager de Zucchero, uno de los pocos artistas del rock italiano que vendieron millones en el mercado internacional. Treinta y cinco años después, desde Córcega, Padovani cuenta el detrás de la escena de los inicios de The Police y de su célebre reunión hace cinco años, que él mismo ayudó a concretar.



Por Maximiliano Poter

“Perdón, es que chupé tanto whisky anoche... No sé si era de buena calidad. Pero no importa: había tanto, tanto, tanto... ¡Dios!”, se disculpa, con una voz perdida en el fondo de alguno de los tantos vasos que agotó ayer. Su inglés suena tan enredado por el acento francés como por el alcohol y las sábanas. Son las tres de la tarde en Córcega y Henry Padovani despierta con la resaca de haber querido mantener, a sus 60 años, la reputación de ser “el único hombre capaz de quedar en pie en cualquier bar”. Así lo definieron sus amigos cuando este rico y añejo bon vivant era un descontrolado músico punk que intentaba tener un presente en la escena del no hay futuro. “Sí, antes era así. Ahora, tomo cuando salgo. Y ayer salimos y me chupé la vida”, articula.
La vida de Padovani es también la historia de una banda que nunca fue. Y comienza, como todo buen relato de borrachos, con un trago amargo...

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miércoles, 5 de septiembre de 2012

CoolRock sobre "Destroyer Resurrected", la nueva edición del clásico álbum de Kiss

El CoolRock (mi micro de cultura rock en FM ESPN 107.9) de esta semana se la dedicamos a "Resurrected", la nueva versión remezclada por Bob Ezrin del clásico disco "Destroyer" de Kiss, de 1976.

Zoé: dulce perla blanca mexicana

Luego de varias visitas como parte de festivales, la banda de Cuernavaca regresa al país para darse a conocer por primera vez con su propio show; el vocalista León Larregui cuenta presente y futuro del último secreto azteca.

En México son estrellas multipremiadas. Tienen quince años de historia, cuatro discos de estudio, DVD, recopilaciones y hasta grabaron un MTV Unplugged (algo reservado solo a los artistas "consagrados"). Se dan el lujo de tener al productor británico Phil Vinall (Placebo, Elastica) como fetiche, gurú y hasta casi sexto integrante. Alan McGee, fundador del célebre sello Creation y padrino artístico de Primal Scream, Oasis y The Jesus and Mary Chain, los quiso hacer grandes en Gran Bretaña. Colaboraron con Enrique Bunbury, Adrián Dárgelos, Nick McCarthy (Franz Ferdinand) y Tim Burgess (The Charlatans), entre otros. Y son uno de los mejores exponentes de ese rock latino de espíritu "indie" pero sonoridad internacional; una banda capaz de reunir la experimentación y la angustia espacial de Radiohead con la sofisticación pop de Soda Stereo.
Sin embargo, para el público masivo argentino, Zoé sigue pareciendo un secreto azteca, pese a que sus últimos cuatro trabajos están editados en el país y "Poli", ese hit de amor estudiantil, tuvo rotación en las radios locales. El quinteto de Cuernavaca pasó en varias oportunidades por estas tierras, pero siempre como acto soporte o parte de festivales. Ahora, regresan para encabezar, por primera vez, su propio show el próximo 14 de septiembre en el Teatro Vorterix. "Estamos muy contentos de volver y poder tocar en un lugar solos y hacer nuestro espectáculo, sin ser parte de un lineup o abriendo para otros", dice León Larregui, vocalista de Zoé, con la expectativa de que nuestro público pueda descubrir esta "dulce perla blanca mexicana".
El perfil de Zoé en Wikipedia los describe como "space rock". ¿Te gusta esa definición? 
¡Sí, suena padre! Quizás tiene que ver con nuestro costado más psicodélico y que mis letras tengan referencias galácticas. Así que podría ser una definición aceptable.
¿De dónde sale ese imaginario cósmico y surrealista de tu lírica, habitada por "zombis de metal", "rímel de miel" y "tragos de luz"? 
No sé. Desde el principio han sido mi influencia Lennon, Cerati, Caifanes... Para mí es importante crear imágenes con las palabras, más que tener una narrativa, y que puedan ser interpretadas de diferente manera por las personas que las escuchan. Por eso pueden resultar surrealistas.
En Argentina hubo, entre fines de los 90 y principios de 2000, una ola de rock mexicano que copó nuestras radios y medios. Pero ahora no están llegando tantas cosas desde allá. ¿Cómo está la escena musical actual de México? 
Sí, hace unos diez años sonaban Molotov, Café Tacvba y Plastilina Mosh. En el 2001 salimos nosotros y bandas como Kinky, con la que somos contemporáneos. Kinky tuvo una aceptación muy rápida y a nosotros nos tomó mucho trabajo, porque nuestra música no tenía nada que ver con la electrónica y otras cosas que sonaban en el mercado en esa época. Ahora la escena mexicana está en un muy buen momento. Hay muchas bandas de muy buena calidad. Los conciertos suelen estar llenos de gente, hay mucha vivencia. Además, con la apertura a nivel de la información, circula más música y eso genera que, culturalmente, haya mejor calidad en las cosas que se crean. Recomiendo bastante una banda que se llama Hello Seahorse!, que son muy buenos.
¿Se ven continuadores de una tradición de bandas latinas, como Soda Stereo, Caifanes y Fobia, que conjugaban un pop masivo pero, a la vez, caracterizado por la experimentación y cierto barroquismo sonoro? 
En nuestra música hay influencias clásicas como David Bowie, The Cure, Bauhaus, Led Zeppelin, que tiene cosas en común. Pero, desde el principio, hemos tenido muy en claro que queríamos descubrir y generar nuestra propia identidad sónica. Y Phil Vinall, el productor que ha estado con nosotros desde el principio, ha sido parte de ese empuje y esa búsqueda.
¿Cómo surgió la relación con Vinall? 
Le escribimos y mandamos a Londres unas primeras versiones de nuestros temas a ver si le interesaba mezclar nuestro primer álbum [Zoé, 2001]. En ese momento, no teníamos discográfica ni nada. Conseguimos dinero de donde pudimos y tres de nosotros viajamos para allá a trabajar. Así se dio la relación. Phil ya es uno más, tenemos el mismo lenguaje y también es una gran influencia. Siempre nos sigue enseñando más y más y, seguramente, trabajaremos con él en el próximo álbum.
¿Qué nos podés adelantar del nuevo disco? 
Por ahora, que entraremos a trabajar en enero y tenemos la expectativa de lanzarlo para agosto o septiembre del año que viene.
Alan McGee dijo que si la banda cantara en inglés sería masiva en Inglaterra. Zoé tiene algunas canciones en inglés, pero ¿alguna vez consideraron la posibilidad de grabar todo un disco en ese idioma y ver qué pasaba? 
Cuando hablamos con McGee trabajamos con canciones en inglés, pero estaban muy enfocadas en que yo cantara sin acento alguno. Fue algo que no se dio y eso nos permitió descubrir que, si alguna vez irrumpimos en el mercado anglo, será en español, porque esa es mi lengua y se acabó. No voy a estar pretendiendo ser un inglés.


CoolRock: a 10 años de "A Rush of Blood to the Head", de Coldplay

El CoolRock (mi micro de cultura rock en FM ESPN 107.9) de esta semana es sobre el 10ª aniversario del disco que representó el salto a la masividad para Coldplay.